The Freak Show

La posesión de Emma Evans (2010)

2011-01-11T17:19:00.002+01:00

En los últimos años hemos visto apareceer varias historias sobre exorcismos como El último exorcismo o El exorcismo de Emily Rose. El demonio está de moda dentro del cine de género y los españoles no iban a ser menos.

La posesión de Emma Evans, como marcan los cánones, nos presenta a una familia de clase media muy convencional salvo porque (desde un punto de vista español) los hijos no van al instituto porque estudian en casa. Todo transcurre con normalidad hasta que la hija mayor empieza a sufrir una dolencia de origen desconocido que ¡oh sorpresa! es causada por el mismo diablo que ha poseido a la joven.

En principio nada nuevo: chica poseida, clérigo sacrificado, familia desesperada... Una historia bastante común que se nutre de todos los elementos y clichés del género. La sombra de El exorcista, tantos años después, sigue siendo muy alargada.

Ahora bien, hay dos elementos que aportan una visión diferente de la que estamos acostumbrados: el tono documental de la cinta y el uso de la luz.

La película, tanto desde la textura de la imagen como en los movimientos de cámara que utiliza, intenta alejarse de la mirada cinematográfica para acercarse a un tono más de documental y de reportaje con el objetivo de darle un aspecto más realista a la historia. Esta intencionalidad del director casa muy bien con la primera parte del film, en el que no se nos presenta una posesión, sino un caso clínico con sus síntomas y su tratamiento posterior, con el drama familiar que ello conlleva.

En cuanto al uso de la luz, es interesante porque predomina en las escenas más tensas y terroríficas. Lo habitual es que el miedo venga acompañado de la oscuridad, y para estar a salvo haya que buscar la luz, pero... si el miedo se da a plena luz del día ¿dónde nos escondemos?

La oscuridad nos prepara, con ella presente sabemos que va a pasar algo y eso nos da cierta protección, pero durante el día todo se vuelve imprevisible. Manuel Carballo se sirve de la luz para hacer más terroríficas las escenas de posesión y para, al igual que el tono documental, para dotar de mayor realismo a la cinta.

Pero, como decíamos, La posesión de Emma Evans no difiere mucho de propuestas anteriores en cuanto a su argumento. Al menos hasta que llegamos cerca del final donde hay un giro valiente e inesperado, que, por desgracia, llega demasiado tarde, lo hace cuando ya hemos perdido el interés en los personajes.

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Entrevista: Juan José Ballesta

2011-01-09T12:00:00.001+01:00

Ha sido un retorno espectacular. Juan José Ballesta, del que llevábamos tiempo sin saber, ha vuelto por la puerta grande y en tono aventurero. En la pequeña pantalla triunfa en el prime time con la serie Hispania. En cines tiene dos películas en cartel, ambas basadas en hechos reales: Entre lobos, la historia de un chico criado por unos lobos; y la que nos ocupa, Bruc: El desafío. En esta, Ballesta interpreta a Joan, un carbonero que con un tambor hizo temblar, por primera vez, al todopoderoso ejército napoleónico.

Pregunta: Ha sido un rodaje difícil, ¿no?
Respuesta: Lo más difícil del rodaje ha sido físico. Correr, pelear, luchar... Llegar a las seis de la mañana, cambiarte, a las siete empezar a rodar. De siete a siete, sin parar de correr, luchar, de echar el hígado por la boca, tío. Decir que "no llego al final del día, no llego". Eso ha sido lo más duro, y luego hemos tenido preparación pues de coreografía, de espadas, manejo de armas, el catalán... Estuve dos meses aquí en Madrid aprendiendo con un coach y luego allí en Barna perfeccionando y ya matizando las r estás raras y las vocales tónicas y poco más.

P: ¿Habrá sido divertido al menos?
R: Sí, sí, claro todo esto siempre con diversión. Yo todo lo que hago es divertido porque me lo paso bien haciéndolo y si estoy de buen rollo y de risas...

P: ¿En qué ha consistido el entrenamiento?
R: Entrenamiento con los especialistas, hacer saltos, de descender, de caídas para los vértigos, para los miedos, coreografía de espadas para tener bien claros los golpes, de ensayar una y otra y otra... de cincuenta golpes, de cuarenta golpes, para tener coreografías variadas para luego a la hora de rodar: "Coreografía uno", "la dos", "la tres". Es una coreografía larga y la partes en cachos. Y cada cacho para ir tirando para tomas, lo que te haga falta.

P: ¿Haces tú las escenas de acción o son con dobles?
R: Con dobles, o sea, la mitad de las veces soy yo. Por el árbol que salto y caigo, el salto es mío, la caída del árbol es del especialista porque ellos pueden bajar dando golpes en las ramas. ¿Pero si se me clava una rama en el ojo?, ¿o si me hago una raja, una heridita o un raspón? Ya no hemos perdido el racord. Los especialistas siempre tienen que estar y no quiero quitarle el trabajo a ninguno, pero donde se vea la cara del actor saltando no se va a ver la cara de un tío de espaldas.

P: ¿Para preparar la película tuviste algún tipo de referentes tipo Acorralado, Centurión, Apocalypto...?
R: No, yo siempre me fijo en muchas pelis, pero no tengo un referente. No veo la peli de Centurión y hago lo mismo que tío ese. Yo veo, veo, veo y luego me creo un personaje en torno a todo lo que he visto, pero no me fijo en nadie. Mi interpretación es mía y si la cago la cago yo, no la voy a cagar y decir: "No es que me he fijado en este".

P: Joan es un chico que de repente se convierte en un héroe.
R: Al personaje no le queda otra, es como un conejillo indefenso al que le persiguen. ¿Qué hace? Correr, correr y si puede, morder y defenderse. El personaje ve de repente que de un día para otro es un héroe. Él no quiere ser un héroe y no le hace mucha gracia a Napoleón que haya derrotado a las tropas con el sonido del tambor y le manda a sus cinco mejores hombres a que le corten la cabeza. El chaval llega a su casa y se encuentra a su familia muerta y no le queda otra que ser un héroe porque se lo dan todo así. ¿Qué hace, dónde se va si ya le han matado a la familia?, pues tendrá que huir, defenderse...

P: ¿Cómo ha sido eso de tener que rodar una toma en catalán y luego en castellano?
R: Mola. Te desencaja un poquito porque se te juntan los idiomas, se te hace un pastel de castellano y catalán todo junto. Hay escenas que hablaba la mitad en castellano y la mitad en catalán y me decían: "¿Qué haces, tronco?, estamos en castellano". Y yo decía: "Perdona, tío, corta, perdona, venga que la hago a la primera, perdonad". Y es que se me iba y a lo mejor estaba hablando en castellano y de repente se me iba el catalán.

P: Al rodar y repetir una escena en dos idiomas distintos, ¿crees que el resultado puede ser distinto en una y otra?
R: Es el mismo. Porque yo tengo un coach ahí con los cascos puestos y una petaca que está escuchando todos mis textos y en cuanto meto la gamba corta la toma y volvemos a empezar. Y la tienes fresca porque vienes de hacerla en castellano y sobre el mismo eje. "Corten. Buena. Ahora en catalán". Y lo mismo, sólo que con otro idioma. Tienes que estar pendiente del idioma, tenerlo bien claro y bien fresco y por lo demás ya está. Como no tengas claro el idioma y tengas que estar pensando es como pensar en los textos, ya te ha salido la escena. Ya no estás ahí actuando, estás pensando en el catalán y se nota eso.

P: ¿Cómo crees que va a ser acogida la película fuera de España?
R: Espero que la acojan bien en todos los lados, porque va para a fuera a no sé cuántos países. Esperemos que nos vaya bien a los españoles por una vez, que siempre los americanos se lo llevan todo.

P: Bueno, últimamente se está haciendo mucho cine diferente en España.
R: Sí, pero la crisis afecta mucho. No son buenos proyectos, no hacen las cosas como querrían hacerlas. Hay que rebajar siempre un montón de cosas, bajar presupuestos, quitar de aquí, quitar de allí...

P: ¿Por eso no se hace tanta acción en España?
R: Eso es. Porque vale mucho dinero y es muy arriesgada y en el extranjero como tienen pasta para aburrir y tiran el dinero y aquí hay que andar con lupa. No es lo mismo rodar con veinte espadas que rodar con dos espadas los veinte tíos. Tienes que esperar a que ruedes tú para que rueden los otros, no puedes ni estar de fondo pegando con la espada si no tenemos presupuesto, siempre hay que recortar en todo.

P: ¿Cómo ves la moda por lo español que hay en Hollywood y los nuevos directores que se van fuera o traen actores extranjeros para hacer productos más internacionales?
R: A mí no me lo preguntes, yo no lo sé, yo cuando pueda me voy.

P: ¿Te gustaría dar el salto a Hollywood?
R: Sí. Saltar el charco y darle caña allí. Es mi sueño llegar a conseguir un Oscar y representar a España, si pudiera.

P: ¿Y cómo vas con el inglés?
R: Con el inglés bien, bueno, lo llevo... chapurreo, hablo mejor catalán, con eso te lo digo todo. Pero cuando aprenda y me sepa bien el inglés me tiraré al toro.

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The next three days (2010)

2011-01-07T12:58:00.005+01:00

Paul Haggis es un hombre al que le gustan los detalles. Como buen guionista que es, no deja un cabo suelto, menos aún cuando el objetivo del protagonista es planear la fuga de su mujer de la cárcel. Sin ayuda y con la policía detrás suya, como para no ser cuidadoso. Nada en Los próximos tres días queda al azar. A riesgo de que el maestro Hitchcock se levante del sepulcro y cargue contra los "verosímiles", Haggis logra el mérito de aunar la meticulosidad de los detalles del plan de huída con la parte emocional de los personajes implicados sin que se resienta la historia.

John Brennan (Russell Crowe) es un padre de familia que ve como su mujer (Elizabeth Banks) es detenida por un asesinato que dice no haber cometido. A partir de este momento la vida del matrimonio cambia radicalmente: ella está entre rejas y él tiene que hacerse cargo del niño. A pesar de todas las evidencias y la condena en firme, John sigue creyendo en la inocencia de su esposa, y ante la visión de futuro que supone no volver a estar con ella, se decide a hacer lo imposible por sacarla de ahí y recuperar sus vidas.

Crowe se convierte en una suerte de Quijote (mención a la novela incluida) al no aceptar la realidad que se le presenta, por muchas pruebas que haya en contra de su mujer, él tiene una fe ciega en ella y, como si fuera un caballero andante, acudirá a su rescate. La presencia del actor australiano es más que suficiente para hacernos partícipes de su tristeza, su desesperación y los dilemas que se le van presentando y que le obligan a cruzar una línea de la que no hay vuelta atrás.

Muy convincente resulta también Elizabeth Banks. A pesar de que su personaje es quien está en prisión, es la que (al menos por fuera) es la que mejor sobrelleva la situación. Con pocas palabras ambos intérpretes son capaces de mostrar todas las emociones que llevan guardadas sus personajes (algo que se ve especialmente en que al ver los ojos llorosos de Crowe, sabe que han rechazado la apelación de su caso).

Como thriller, Los próximos tres días sabe mantener al espectador involucrado en la acción en todo momento. Cierto es que las ansias de Paul Haggis de plasmar en la pantalla todo lo que aparece en el guión hacen que el resultado final se resienta un poco. El buen recuerdo que de ellos podía tener tras rodar la serie Los hermanos Donnelly es lo único que podría explicar la aparición de Olivia Wilde y Jonathan Tucker.

Sin desmerecer a ninguno de los dos, la madre soltera interpretada por Olivia podría haberse quedado en la sala montaje sin que hubiera pasado absolutamente nada. Sus escenas sólo alargan el metraje sin aportar al devenir de la trama. El cameo de Jonathan pretende reforzar (sin necesidad) la imagen de que a pesar de todo John Brennan es un buen hombre.

Sin olvidar a Liam Neeson, que con su breve aparición no dejará indiferente a nadie.

Tampoco ayuda la resolución del crimen por el que cumple condena Elizabeth Banks, el flashback con lo sucedido aquel fatídico día nos trae a la mente series como Caso Abierto o Sin Rastro. A mitad de la película es un asunto que pierde importancia en favor del plan de huída. Un final más ambiguo para dejar al público la decisión de creer o no creer en la inocencia de Lara

A pesar de no ser una película de acción, Los próximos tres días alcanza momentos (en la segunda mitad) de gran intensidad, con un ritmo frenético, dejando para la primera parte de la cinta, los aspectos más dramáticos de la historia. Un thriller más que apetecible. habría sido más conveniente.

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Robin Hood (2010)

2010-05-27T10:00:00.003+02:00

Se dice que no hay dos sin tres y parece que tampoco cuatro sin cinco. Porque ya son cinco las colaboraciones entre el británico Ridley Scott y el australiano Russell Crowe. Tras enfrentarse a todo un emperador romano en Gladiator, pasarse un tiempo en la Provenza en Un buen año, combatir a la mafia en American Gangster y seguir a un líder terrorista de Oriente Medio en Red de Mentiras, Scott y Crowe se atreven ahora con una revisión de la leyenda anglosajona de Robin Hood.

Ambientada a finales de la Tercera Cruzada, esta nueva versión de Robin Hood nace con la intención de mostrar la historia que precede al mito del ladrón de Sherwood. Partiendo de la base de que no existe ningún vestigio que asegure la existencia real de nuestro forajido, resulta interesante el ejercicio llevado a cabo por Ridley Scott y el guionista Brian Helgeland para situar la posible existencia de Robin Hood en su contexto histórico - político y relatarnos los hechos que precedieron a su condición de proscrito de manos del rey Juan sin Tierra.

Así pues, podríamos considerar al Robin Hood de Ridley Scott como una suerte de precuela del resto de versiones que han visto la luz hasta el momento: desde la protagonizada por el inmortalizado Errol Flynn (también australiano), hasta la versión de Kevin Reynolds protagonizada por Kevin Costner; pasando por versiones tan dispares como la parodia de Mel Brooks (1993) o la adaptación "made in Disney" (1973). Echando un vistazo a la filmografía de Robin Hood podemos encontrar otro dignísimo ejercicio de reinvención del mito al estilo del realizado por Ridley Scott aunque a la inversa. Este lo encontramos en Robin y Marian (1976) que supone, para muchos, la mayor obra de Richard Lester. En ella encontramos a nuestros personajes varios años después en su etapa crepuscular y se cambian las aventuras por el drama. Con lo que podemos establecer una línea entre esta última adaptación como precuela, las demás versiones como centro de la historia, y Robin y Marian como el final de la historia. Lo más curioso de todo es que tanto Russell Crowe como Sean Connery han adoptado el rol de Robin a la misma edad (45 años) a pesar de que el primero todavía no se había convertido en una leyenda y el segundo ya estaba más que pasado de vueltas.

La otra gran novedad que aporta esta adaptación es el cambio de mensaje de Robin. Situados en un momento convulso para Inglaterra, en la completa bancarrota y con la amenaza de una guerra civil; ya no estamos ante el reparto de riquezas entre ricos y pobres, sino que Longstride (así se apellida aquí nuestro héroe) abraza los valores liberales del derecho a la propiedad privada y demás. Un mensaje y unos valores que, al igual que ocurriera en, por ejemplo, Braveheart (recordemos el famoso grito de Mel Gibson por la libertad al final de la misma) difícilmente podrían haberse dado en plena Edad Media, pero que ilustran bien los sentimientos actuales.

Si juntamos el cambio de mentalidad del protagonista y las intenciones de ofrecernos un fondo y un contexto más verosímiles a los ojos de la historia, nos encontramos la versión más adulta hecha hasta la fecha. Ahora bien, Scott no se olvida de que se trata de una película de aventuras y que el presupuesto invertido requiere de sus correspondientes beneficios en taquilla. De ahí que no falten sus dosis de romance, acción, violentas batallas y su punto cómico.

Ridley Scott ha tirado de oficio y de los recursos adquiridos en cintas como Los duelistas, Gladiator o El reino de los cielos para aportarle la épica y grandeza a su Robin Hood. Resulta inevitable hacer las comparaciones, pero desde aquí vamos a dar un voto en favor de Robin y sus aventuras, ya que técnicamente es superior a Gladiator. El cuidado y la potencia visual de las batallas está mucho más logrado. Quizás, eso sí, esta sea una película más "ligera" que Gladiator en lo referente a su contenido, dejando al margen su mayor dramatismo en pos de irse por unos derroteros más relajados y apegados al cine de aventuras.

Y si hablamos de comparaciones inevitables hay que hablar de Spielberg. Por raro y aventurado que pueda parecer al buen lector, las similitudes son más que evidentes entre el desembarco francés en las costas inglesas de Robin Hood con la escena inicial de Salvar al soldado Ryan. Cambiamos las mallas y espadas por rifles y uniformes de la 2ª GM, así como las flechas por bombas y estamos ante la misma secuencia con algunos siglos de diferencia.

Robin Hood es un film en muchos aspectos correcto, no pasará a la historia como una de las grandes obras de Ridley Scott, ni mucho menos, pero es innegable que sus más de dos horas se pasan como si nada, algo a lo que ha ayudado también su excelente reparto. Russell Crowe, sí, pone la misma cara que en Gladiator y los flashbarcks con los que redescubre sus orígenes son un truco que ya chirría demasiado, pero sabe imprimirle su carisma a Robin.

Aunque quienes sobresalen de veras son los secundarios, desde Max Von Sydow como Sir Walter Loxley que acoge a nuestro héroe como a un hijo y se convierte en una especie de mentor, a la dupla de malvados conformada por Mark Strong (Godfrey) y Oscar Isaac, que emulando a Cómodo en Gladiator, hace de un envarado e inseguro rey Juan I.

¿Y el sheriff de Nottingham? en él es donde empezamos a percibir los arquetipos. Y es que por mucho que Scott y compañía intentasen reinventar la figura de Robin Hood y su entorno, hay cosas que no cambian. Éste, al igual que "los alegres compañeros" y el fraile Tuck son lo que son, y aparte del contrapunto cómico y costumbrista poco más aportan. Y claro, ante una visión inglesa de la historia los franceses no pueden salir muy favorecidos. Por tanto, nos vemos con una masa enemiga tópica y un grupito de secundarios con los que parece que no va la historia.

Cate Blanchett por su parte, se merece una atención especial. Es de las pocas actrices que consigue transmitir verdad en cada personaje haciendo creíble situaciones y actitudes que de otro modo consideraríamos impensables. Su lady Marian se aleja del prototipo de doncella desvalida y se muestra como una mujer decidida y con iniciativa, acorde a los tiempos que vivimos. Junto a Robin, vive el surgimiento del romance tantas veces contado de forma muy natural aunque algo esquemática. Este amor, eso sí, es determinante para el devenir de algunas situaciones y el avance de la trama.

Bien, este Robin Hood que toma por bandera el liberalismo tiene muchos ingredientes para ser un éxito y demuestra que el mito sigue estando en buena salud a pesar de las innumerables adaptaciones que se han hecho. Tanto, que no es descabellado pensar en alguna futura secuela, o sea, contar la historia que todos conocemos.

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Entrevista: Natasha Yarovenko

2010-05-23T23:44:00.003+02:00

P: ¿Nos puedes hablar un poco de la película?
R: Pues es una película muy romántica, muy bonita, con sus puntos de comedia y de tragedia, como es la vida ¿no? Es una historia de dos mujeres, de dos personas, pero en este caso de dos mujeres que sienten una fuerte atracción y en un tiempo muy corto se dejan llevar y esta atracción se convierte en un amor muy profundo y de una de las experiencias más bonitas, yo creo que la experiencia más grande que han tenido en sus vidas. Y a partir de este momento pues, lo tienen marcado.

P: ¿Cómo surgió esta oportunidad de trabajar con Julio Medem?
R: Pues me llamó Julio y me preguntó si quería venir a un casting. Yo claramente pues no me esperaba esta llamada, y para todos los actores de este país y de fuera es un sueño trabajar con Julio Medem porque todos sus personajes son muy interesantes para interpretar. Tienen un conflicto, son muy profundos, muy complejos... siempre es un regalo para un actor hacer un papel así. Y me mandó como 20 páginas en inglés por la noche y me dijo: "bueno, podemos hacer la prueba dentro de 3 días o mañana". Y yo dije: "mañana", porque quería llegar fresca al casting y – o sea, los nervios crean bloqueos y no quería esperar 3 días a venir así – entonces cuando llegué pasó algo mágico, porque estuvieron Julio y Elena y empezamos a hablar... y de verdad, estuvimos hablando como una hora, una hora y media, que de repente hablamos de nuestras vidas y llegamos a un punto que realmente parecía que nos conocíamos de toda la vida. Y luego Julio dijo: "bueno, hacemos la prueba ¿no?" Entonces hicimos estas 20 páginas del tirón, de alguna manera la cosa fluyó... Elena es una gran compañera desde el primer momento hasta el último, y en el mismo casting me dijo que si lo quería hacer yo pues le encantaría. Yo me quedé en un estado de shock y Julio con Elena saltaron de alegría y tal porque se ve que estaban buscando desde hace tiempo la actriz. Cuando luego iba a casa pensaba: "¡Uf!, estoy muy feliz de conocer a estas personas tan maravillosas pero ahora hay que trabajar mucho" y sabía que para mí iba a ser un reto.

P: ¿Qué supone trabajar con un director como Medem?
R: Pues eso supone un reto (risas). Mucha responsabilidad. Soy una persona muy responsable y muy trabajadora... trabajé muchísimo para esta película. He hecho algunos capítulos de alguna series, he hecho en una serie una temporada entera y sí, TV-movies también, pero hice también dos películas con papeles importantes. Lo que pasa es que eran películas de muy bajo presupuesto y no tenían esta repercusión como trabajar con Julio Medem.

P: ¿Cómo fue la preparación del personaje?
R: El personaje que escribe Julio es impresionante, es muy difícil de interpretar... trabajamos mucho en el pasado del personaje. Julio exigía que sacáramos nuestras historias, bueno del personaje quiero decir, que nos inspiremos y que las inventemos y que creemos el personaje nosotras mismas. Él nos iba a guiar pero quien lo iba a hacer éramos nosotras. Y para mí fue un trabajo muy bonito, realmente fue muy enriquecedor este trabajo porque también Julio pidió escribirlo y yo no tenía mucha experiencia... me daba corte escribir para Julio porque escribe muy bien y eso. "Julio, como te voy a escribir a ti historias". Él dijo: "No, no, que tú lo podrás hacer muy bien". Me dio mucha confianza, mucha seguridad, de alguna manera pude superar este miedo y de repente me inspiré y escribí muchísimo y a partir de estas escrituras Julio las trabajó y puso muchas cosas en el guión - que para mí es un honor claramente - y a la hora de rodar pues fue ya... después de trabajar tanto el pasado pues a la hora de rodar fue vivirlo.

P: Ha sido un rodaje bastante complicado ¿no? sólo dos personajes, tenéis que hablar varios idiomas...
R: Sí. El rodaje ha sido muy intenso, muy difícil, pero a la vez pues no sé, a la vez nuestros personajes iban abriendo su alma. Esto de alguna manera me liberó - Julio es psiquiatra ¿lo sabéis, no? es médico - Entonces, de alguna manera consigue sacar lo mejor de ti. Consigue con pocas palabras indicarte lo que quiere exactamente. Interpretar para él fue la mejor experiencia de mi vida profesional y trabajar con Elena fue fantástico. Porque tenía una gran compañera a mi lado que me ayudaba, que me apoyaba... la situación nos unía mucho porque no era un hombre y una mujer. Éramos dos chicas ahí, pues haciéndolo todo, con todas las emociones, sensaciones... mucha responsabilidad, la marca aquí, la luz allí, el inglés... todo era muy difícil, pero a la hora de la acción conseguíamos meternos ahí y vivirlo. Eso es por lo que me gusta ser actriz, porque quiero vivir muchas vidas. Y cuanto más difíciles mejor.

P: En cuanto a la desnudez y el sexo de la película, se ha llegado a decir incluso que es "porno de autor", pero uno ve la película y se da cuenta de que realmente no es lo importante, queda como en un segundo, lo que importa son las historias, la vida de esas dos chicas y como se enamoran...
R: Yo creo que las personas que piensan que es una película de calentura se equivocan mucho, porque es una historia de amor... el gran amor. Que puede pasar no solo a dos chicas, sino a cualquiera, y nunca sabes cuando. Y en la vida real por límites sociales, por los tabús, por religión, educación, muchas cosas... pues muchas veces dejamos pasar la oportunidad y esta es la esencia de la película. Que estas chicas aunque les cueste – sobre todo a mi personaje – pues consiguen este amor tan profundo, tan bonito. Y si una persona es capaz de sentirlo nunca pensará, nunca le parecerá esta película pues sobre sexo... el sexo, la desnudez es una cosa muy natural en esta película.

P: ¿Cómo te has enfrentado al visionado de la película?
R: A la mayoría de los actores nos cuesta vernos. Es muy difícil porque es como oír tu voz, que no la reconoces. Te suena muy raro. Pues, verte, además en un personaje que no eres tú, el cerebro no lo acepta. Tú te ves y sabes que eres tú pero que no eres tú. Es muy difícil tener una percepción objetiva... yo confiaba completamente en Julio. O sea, si Julio decía que estaba muy bien yo estaba muy tranquila. A pesar de que nosotras siempre tenemos las inseguridades "no, lo podría haber hecho mejor" o "déjame una más", estamos siempre ahí buscando el mejor momento. La única opinión que era importante para mí era la opinión de Julio. Entonces como yo veía a Julio muy contento, yo estaba muy contenta y muy tranquila.

P: ¿Ha cambiado mucho la imagen de la que tenías mientras la estabas rodando?
R: Cuando vi la película me sorprendió la ligereza de la película porque hemos rodado también más cosas que no están en la película que eran monólogos muy dramáticos y esas escenas no están ahora. Yo pienso que es mejor para la película que no estén porque le dan más dinámica y también más ligereza y más misterio porque no se desvelan todas las cosas.

P: ¿Qué te pareció la película al verla?
R: Yo vi la película como una cosa en el aire, como una nube muy ligera, muy sutil, muy sensible, que si la tocas se te deshace porque en cualquier momento de esta película se podría deshacer. Estás todo el tiempo pensando "que no, que no se vaya, que a ver lo que sienten"... Yo sentí esto, sentí que es una película muy ligera, muy romántica, todo muy sutil, llena de sensibilidad, muy bonito. Me gustó mucho. A pesar de que me cuesta verme; pero pude sentir, pude emocionarme, lloré y al final pues... eso fue en Málaga, al final fue un momento mágico cuando el público se levantó y nos aplaudió durante 10 ó 15 minutos sin parar.

P: Y ya brevemente para acabar. ¿Cómo termina una chica que estudia filología haciendo cine?
R: ¡Uf!, esto es como una película, ¿tenemos tiempo? (risas). Me encontró un fotógrafo paseando por la calle, mirando como es Barcelona - porque vivo ahí. Me encontró un fotógrafo y me invitó a un concurso de modelos al día siguiente. Fui al día siguiente al concurso este y lo gané. Entonces ya me parecía que España ya me estaba aceptando (risas), me iba abriendo las puertas, me sentía muy ilusionada en este país y poco a poco pues iba conociendo gente, iba trabajando y tal hasta que pues salía una entrevista mía en El País Semanal con Lydia Delgado, la diseñadora de moda y me llamó una directora de cine, Lidia Zimmermann que estaba buscando una chica del este para protagonizar su TV-movie. Yo no quería ir porque ya repito y repito que soy muy pudorosa y las cámaras me dan miedo, o me daban miedo. Entonces al final pues mis amigos me empujaron para ir al casting. Fui a este casting, me dieron el papel y cuando empecé a rodar me di cuenta que esta es mi pasión y que esta es la única manera para mí de ser feliz.

Iron Man 2 (2010)

2010-05-09T02:56:00.007+02:00

Iron Man, el superhéroe de la factoria Marvel (ahora perteneciente de Disney) que ya hiciera disfrutar a propios y extraños en 2008, retoma su historia tal y como la dejó en su momento; con el millonario Tony Stark dando a conocer al mundo su identidad secreta. Así, disfrutando de su nuevo status y de la admiración del mundo entero, el personaje interpretado por Robert Downey Jr. se enfunda de nuevo su armadura con el objetivo de reventar las taquillas pre-veraniegas.
¿Qué nos ofrece esta segunda entrega? Pues más de lo mismo: acción a raudales, sentido del humor y a un Robert Downey Jr. en estado puro. Porque no nos engañemos, el papel de Tony Stark/Iron Man le viene como anillo al dedo al actor neoyorkino; al igual que el que le brindó Guy Ritchie en su Sherlock Holmes (si no fuera porque uno es un arrogante millonario y el otro un arrogante detective de la época victoriana, casi podríamos decir que estamos ante el mismo personaje). Ahora bien, es esta libertad que ha tenido el actor para abordar su personaje la que le da alma al film. Si borramos a Downey Jr. de los títulos de crédito la cinta perdería muchos enteros y quedaría coja sin remedio.

Iron Man 2, siguiendo la estela de su predecesora, aborda el tema de los superhéroes desde su vertiente más lúdica y familiar, alejada de las lecturas más filosóficas / políticas de Watchmen o del Batman de Nolan y de los dilemas morales o las “responsabilidades que conllevan un gran poder” que Sam Raimi imprimió a su Spiderman (y anteriormente a Darkman) e incluso el Hulk de Ang Lee. Aquí la parte oscura del superhéroe deja paso a la faceta más divertida y emocionante, de tal forma que uno pueda terminar de ver la película queriendo ser superhéroe de mayor.

Ahora bien, si esta era la máxima que perseguía Jon Favreau en la primera entrega, en esta secuela la ambigüedad del héroe también se intenta abrir paso (seguramente por imposición de alguno de los productores). Y es que la influencia que ha supuesto El caballero oscuro al subgénero es ineludible. Aquí nos encontramos con el héroe que, conducido por las circunstancias, reniega de serlo al estilo de lo que hiciera Tobey Maguire en Spiderman 2. Para intentar darle una mayor complejidad al personaje, además, los guionistas se han servido de los conflictos del pasado de Tony Stark (la sombra de la relación que mantenía con su padre está presente en gran parte del film), y unos problemas médicos que, bien mezclados, llevan a la inexorable autodestrucción del protagonista.
Todo bien si no fuera porque se queda en un “quiero y no puedo”. Jon Favreau no termina de lanzarse ni por un lado ni por otro. La apuesta parece más cosa de los directivos quienes al final no se decidiero por dar el paso. No olvidemos que se trata de un producto con pretensiones de agradar a grandes y pequeños. Tanto es así que uno puede acabar saturado de su tono infantil y palomitero. ¿A dónde nos lleva esto? Pues a una película que hasta pasada la primera media hora no termina de arrancar, una evolución del héroe que hace el amago y no arriesga y un final repleto de explosiones y grandes efectos a la altura de la primera Iron Man… y salpimentado con sinfín de chistes sin gracia.
Eso sí, Iron Man 2 tiene sus grandes aciertos. Tres para ser exactos: Robert Downey Jr., Mickey Rourke y Sam Rockwell. Del primero poco más se puede añadir, es la antítesis de otro mito de los cómics: Batman. Si al hombre murciélago le mueve su afán altruista y su extremado sentido de la justicia; al “hombre de acero” le atraen la fama y la justicia a partes iguales. Mientras que Iron Man es la máscara que esconde al hedonista Tony Stark; Bruce Wayne es la máscara que se esconde tras torturado y solitario Batman. ¿Y por qué esta comparación? Las similitudes iniciales entre ellos son más que evidentes, aún cuando la evolución y forma de ser de ambos difieran tanto. Ambos tomaron la decisión de enfrentarse al crimen por sendos traumas (uno al descubrir que “su legado” al mundo no eran más que muertes y guerras y el otro por un sentimiento de venganza tras el asesinato de sus padres). Además son herederos de grandes fortunas y hombres de éxito en sus empresas, de las cuales se sirven para desarrollar y equipar los gadgets de sus alter-egos superheroicos.
Bien, dejando ya de lado a Stark y retomando al resto de protaogonistas del film, Mickey Rourke encarna al perfecto arquetipo de villano de cómic y borda su acento ruso. Mientras, el personaje de Rockwell podría venir a ser la versión caricaturesca del Jeff Bridges de la primera entrega. Justin Hammer es un fabricante de armas tan creído como el propio Stark, pero falto de su carisma y con una ceguera de poder que no traerá nada bueno.
Mención para esta “película de productora” merecen también Samuel L. Jackson y Scarlett Johansson (quien se ha desquitado tras The Spirit, donde no pudo saltar ni pegar al tiempo que lucía palmito). Auque más que por sus correctas interpretaciones es por el ejercicio de marketing y publicidad que se hace la major a sí misma entrelazando la trama de Iron Man 2 con la futura Los Vengadores (de la que el héroe multimillonario es miembro fundador).
Caso curioso también es el del personaje del coronel Rhodes. Realmente importa poco si lo interpreta Don Cheadle o Terrence Howard. En este tipo de producciones los actores son intercambiables como un par de cromos. Otros casos célebres son los de Eric Bana y Edward Norton interpretando a Hulk o las distintas encarnaciones de Batman: George Clooney, Val Kilmer y Christian Bale (omito a Michael Keaton ya que su figura sí ha quedado ligada al hombre murciélago para la historia del cine).
La conclusión que se saca después de visionar la cinta es tan simple como ella: blockbuster para pasar una tarde cualquiera. Y ya que estamos con clichés, me apropio de esta frase tan manida como las propuestas de Iron Man 2… mucho ruido y pocas nueces.

Balagueró nos habla de la Wikipeli

2010-03-21T21:20:00.006+01:00

Una vez más nos quitamos el polvo de los hombros. Vencemos la pereza y nos ponemos a trabajar. Esta vez tenemos ni más ni menos que a Jaume Balagueró, que con motivo del fregado en el que se ha metido (la 2ª edición de la Wikipeli) nos ha concedido unos minutos. Junto a él, los actores Mario Casas y María Castro.

Como nos quedaba algo de cinta, nos dimos el lujo de recoger la rueda de prensa que ofrecieron:

Entrevista: Gabe Ibáñez

2010-02-05T15:00:00.001+01:00

Está claro ¿no? Tras hablar con Elena Anaya y comentar que nos ha parecido la película, lo único que nos faltaba era escuchar del propio Gabe cosillas sobre Hierro.

Todo incluido (2010)

2010-02-02T01:35:00.000+01:00

Vince Vaughn protagoniza, escribe y produce esta comedia acerca de las parejas de mediana edad y sus problemas conyugales. La película nos narra las vacaciones de cuatro parejas en un resort en una isla tropical. Mientras que una de ellas está allí para seguir una terapia matrimonial que les ayude a resolver sus problemas; las otras tres parejas se plantean el viaje como una semana de diversión. Sin embargo, llegados a la isla descubren que la terapia no es opcional y todos tendrán que enfrentarse a ella o deberán volverse a casa.

Todo incluido es una comedia sin chispa, plagada de tópicos y muy predecible. Es una lástima que ninguno de los guionistas (Vince Vaughn, Jon Favreau y Dana Fox) haya sabido dar con la tecla, lo que hace que el aburrimiento se cebe con el espectador de forma muy prematura. Ni la historia tiene gancho, ni los personajes son simpáticos al espectador. Cierto que tampoco caen mal, simplemente no caen. Lo que les pase o les deje de pasar a los protagonistas no despierta ningún tipo de interés.

Dentro de todas las cosas a las que se le pueden sacar punta en Todo incluido, lo más lamentable es, sin duda, la batalla con el Guitar Hero; un esperpento solo justificado por imposiciones de la productora para sacar algún tipo de beneficio.

Visto lo visto, es difícil explicarse el porqué de tamaño despliegue el que han hecho trasladando todo el equipo de rodaje hasta Bora Bora (en la Polinesia Francesa) para lograr tan pobre resultado. Y para que Malin Akerman (Watchem, Matrimonio compulsivo) y compañía lucieran su tipo en la playa tampoco era necesario.

La actriz y modelo sueca es, junto a los empleados del resort tropical de lo más destacado del film, entre los que cabe mencionar a un histriónico pero simpático Jean Reno y al entrenador personal Salvadore (Carlos Ponce), quien nos ofrece los momentos más divertidos y el único que cada vez que aparece en pantalla despierta alguna risa. En cuanto a los demás, poco se les puede pedir si el guión no acompaña y las situaciones cómicas pierden fuelle por alargarse demasiado.

El principal problema de Todo incluido está en que sigue una lógica demasiado previsible y le falta emoción. Intenta, además, parecer más de lo que realmente es, queriendo mostrar las dificultades por las que pueden pasar muchos matrimonios agotados por la rutina. Sin embargo estas pretensiones se diluyen en la nada sin remedio. Se trata de un producto de lo más insustancial y olvidable.

Una de revoluciones

2010-02-02T01:06:00.004+01:00

Bueno, lo que se dice revoluciones con todo lo que ello conlleva, pues como que no. Pero sí es cierto que vamos a hacer algunos pequeños cambios en el blog.

El primero y más importante es que las críticas dejarán de aparecer tituladas en su idioma original para figurar en castellano. Así, pelis como Invictus se llamarán Invictus, y otras como The Road la nombraremos como La Carretera, tal como las distribuidoras las venden dentro de nuestras fronteras. Además, revisionaremos filmes no tan recientes, para redescubrirlos o para lamentarnos por ello según sea el caso.

Con las metacríticas seguiremos encumbrando películas injustamente (o no tanto) tildadas de bodrios, difíciles de ver o adelantadas a su tiempo.

Las entrevistas por su parte seguirán teniendo un peso importante, más que nada porque nuestros contenidos se centran en eso: críticas y entrevistas.

Y alguna que otra sorpresita más que desvelaremos en su momento...

Entrevista: Elena Anaya

2010-01-23T18:04:00.008+01:00

Elena Anaya está en estado de gracia. Con Hierro, ópera prima de Gabe Ibáñez, no para de cosechar buenas críticas y premios en festivales como Sitges. Además, tiene previstos los estrenos de otras tres películas este 2010: Enemigo Público nº 1, Cairo Time y Habitación en Roma, la cual supone su reencuentro con Julio Medem tras Lucía y el Sexo. En medio de tanto proyecto nos ha concedido esta pequeña entrevista en la cual hablamos acerca de Hierro y sobre la inminente gala de los Goya.

P: Así para empezar, que puedes decirnos de Hierro para que la gente vaya a verla
R: Que te puedo decir, pues que es una película con una historia minimalista que habla de una madre que busca a su hijo desesperadamente que ha desaparecido y que visualmente es muy potente. Creo que no se ha visto en España hasta ahora una película con una fotografía así, con mucho respeto a todos los directores de foto consagrados (risas) pero esta es especial. Y bueno, yo diría que vayan a verla, que la hemos hecho con mucho cariño y que yo creo que no les va a decepcionar.

P: Del proyecto qué fue lo que te atrajo para interpretar el papel
R: A mí cuando me atrae un proyecto no me atrae un personaje, me atrae la película. En este caso el personaje es toda la película pero yo suelo hacer personajes muy pequeñitos… yo creo que no haces una película porque tu personaje te guste, haces una película porque crees que merece la pena ser contada. En este caso me apetecía muchísimo hacer este personaje para hacer esta película con Gabe. Quería trabajar con un director con mucho que contar, con una manera de hacer cine totalmente nueva y especial. Y bueno, arriesgar un poco ¿no? De eso se trata también.

P: Se trata de una apuesta arriesgada, con un director novel además.
R: Sí, es una propuesta arriesgada. Es difícil porque no es una historia al uso ni convencional, pero es que yo tampoco. Creo que todos los proyectos que hago, y un poco mi trayectoria está hecha a base de hacer personajes así, un poco extraños y películas un poco peculiares y distintas..

P: María, tu personaje, es una mujer traumatizada por el dolor, por una pérdida… háblanos un poco de ella
R: Yo creo que más que dolor es un desgarro. Tengo amigas madres que han perdido a sus hijos un minuto y medio porque se han despistado y se han querido morir. En un minuto y medio han visto que se morían, que se les paraba el corazón, que se quedaban sin aire y… unas se han desmayado, a otras les ha dado un ataque de ansiedad, las otras se han vuelto locas corriendo fuera de sí buscando hasta que de repente al minuto y medio aparecen. Tú imagínate que desaparezca un niño de verdad y que no lo encuentren. Tú sola sin nadie más al lado que te ayude… Creo que eso es un dolor imposible de contar, difícil de transmitir y que mi personaje… No, de alguna manera no puede permitirse sentir en todo su ser. Porque creo que si María llora, que es algo que prácticamente no hace en toda la película, se deshace en lágrimas, de verdad. Se hace literalmente, se muere de llorar. Ante eso si hay opción de poder pensar que su hijo sigue vivo pues va a buscarlo y va a quemar todas las posibilidades.

P: Para preparar la película Gabe te hizo leer 2 libros: El año del pensamiento mágico y El asesino que hay en mí
R: El año del pensamiento mágico es un grandísimo libro, yo creo que es de los libros que más he leído y releído porque lo leí hacia delante, hacia atrás, lo empezaba, lo acababa… Era un poco como un libro-guía para mí en la película, porque ya en el guión ha conseguido transmitir el estado emocional y casi sensorial de alguien que tiene una pérdida tan grande. Y lo cuenta en palabras y lo cuenta muy bien. Se que Vanessa Redgrave hizo algún monólogo absolutamente maravilloso en Londres adaptado por la misma autora del libro… y me quedé con unas ganas de verlo locas. Y bueno, ese libro y luego El asesino que hay en mí porque de alguna manera lo que hacemos en esta película es crear una especie de pulso con el público, y a veces sin que se note que hay algo en mí que no está funcionando del todo bien. Hacer pensar que los que están mal y los que tienen algo que ocultar son los otros, los que me rodean, incluso la isla, y no yo.

P: ¿Y la preparación del personaje cómo ha sido?
R: Pues mira, afortunadamente Gabe es un director de los que les gusta ensayar. Ya sabes que hay muy pocos (risas) que les guste o que quieran ensayar, y él sí, y ensayamos mucho. Tardamos en leer el guión creo que como dos semanas. Era impresionante, nos poníamos a leer todos los días el guión y decíamos: “bueno hoy hemos llegado hasta la página 12, ¡no puede ser!, tiene 100 páginas ¿cuánto vamos a tardar?”… Pero creo que esa lectura minuciosa en la que nos parábamos todo el rato a hablar de detalles ha hecho que yo llegue al rodaje con un conocimiento a nivel técnico de como él quería rodar y como quería tratar cada plano, que luego me ha permitido interactuar con eso que es la atmósfera.

P: Has estado metida de lleno en todo el proceso técnico, hablando con los distintos departamentos para ver como iba a ser esa atmósfera y demás para poder preparar el papel ¿no?
R: Claro, no me quedaba otra opción. En esta película era necesario saber que tratamiento le iba a dar Gabe a cada plano, a cada toma, a cada momento concreto de la película… y era necesario que yo supiese como lo iba a rodar. Me ha ayudado mucho, me ha gustado mucho… a veces hay directores que piensan que los actores no tenemos que enterarnos de todo esto. Que somos unos seres muy ingenuos y cuanto menos se nos cuente mejor y que llegamos ahí y ¡pum! lo hacemos y ya está. Yo respeto todas las opiniones pero creo que después de años trabajando, me he encontrado con un director que sí, que me ha cogido y me ha dicho: “mira, este es el aspecto técnico. Te voy a contar exactamente como lo vamos a rodar y de que te vas a rodear para que puedas ecualizar tu actuación, que puedas usar todo eso y que luego el público lo vea”.

P: En la peli estás tú y casi siempre sola, aislada. ¿Ha sido difícil?
R: Bueno para mí… ya lo noté un poco en los ensayos. Cuando empezábamos a ensayar decía Gabe: “bueno pues vamos a ensayar”. Entonces decía “venga aquí estoy en la playa y… sola”. Hacíamos lo de la playa y luego: “vamos a ensayar ahora la secuencia en la que estoy en el coche”… entonces estoy aquí en el coche, estoy sola… para mí actuar… el otro es el que me da la vida, sin el otro yo no existo y yo actúo para mi compañero o para mi compañera. Crees la relación que tengas que contar o seas quien seas, pero si no tienes al otro no tienes a nadie. Y en esta película muchas veces estaba yo sola. Ahí creo que tienes que entenderlo, aceptarlo, y utilizar todo ese vacío que tienes sin tu compañero y ver si realmente estás interactuando con otra cosa que no es un actor. A veces interactúas con otro personaje que es la isla en sí, es El Hierro.

P: Tu interpretación ha sido muy bien acogida por la crítica, Sitges, Cannes… ¿esperabas algo así?
R: Mira, yo esta película la he hecho con todo el amor del mundo. Todas las hago con este amor, pero claro… todos los días poniendo tanto amor, luego al final el resultado es un amor multiplicado por cada día de rodaje por muchas horas. La verdad es que he disfrutado mucho. De todas me siento muy agradecida y muy emocionada cuando primero te llaman para hacer un trabajo y luego, cuando se acaba, se estrena, te despides de alguna manera y ya la película ya no te pertenece a ti ni a tu equipo, pertenece al público… Y esta película la quiero especialmente, le tengo mucho amor mucho cariño, me ha dado cosas muy buenas. Creo que he aprendido mucho haciendo esta película y… hemos estado en Cannes, hemos estado en Sitges, hemos estado en el Lincoln Center presentando la película al público americano, hemos estado en Helsinki. Allá donde hayamos estado la película ha tenido una recepción maravillosa, las salas se han llenado y eso son pequeños regalos que luego se quedan. Y eso es muy bonito la verdad.

P: Sin embargo, en los Goya…
R: A los Goya no estamos invitados este año… a mí me dio mucha pena ya no solamente por una nominación de Gabe, que yo creo que hubiese estado muy bien, y varios técnicos de la película como el arte, maquillaje, foto, vestuario… me parece que hubiese sido justa una nominación; pero no estamos nominados, no vamos a estar en la noche del cine español. No importa, sabes… me da pena que los académicos no hayan visto la película. La peli no se ha mandado, había una opción de verla en Internet en una calidad muy baja… yo la he visto en Internet y era como de cartón piedra… ver una peli así en una pantalla de Internet y continuamente cargándose, es imposible. De hecho yo este año como académica que soy, también he tenido dificultad a la hora de votar porque no han mandado muchas películas y el nuevo formato de ver las películas en el ordenador a mí no me gusta nada.

P: Ya sobre la gala en sí y los premios… el que haya una diferenciación entre categorías revelación o noveles y los demás… ¿qué sentido tiene? Si alguien es bueno da igual si es novel o no, ¿no crees?
R: A mí me parece bien que haya un premio a una primera película y a una primera interpretación. Me parece que es justo que los directores noveles compitan entre sí y que no compita Gabe con Almodovar. No tendría mucho sentido. Lo mismo con los actores revelación. Creo que cuando haces una primera, una segunda peli – no una octava como hay algún caso que siguen siendo revelación después de 10 años –, pero si los actores están empezando merecen estar por lo menos en ese pequeño grupo de gente donde tienen más facilidad para ser nominados y llevarse un Goya ¿Por qué no? Claro que sí.

P: Y como curiosidad, has estado haciendo un curso de Clown en Madrid ¿cómo surgió? ¿Te ha picado el gusanillo de la comedia?
R: He hecho un curso de clown porque me he encontrado con un maestro maravilloso que se llama Avner The Eccentric, que lo vi en un teatro haciendo un show maravilloso y me enteré que daba unas clases de varios días, me apunté inmediatamente y acabo de terminarlo. Yo creo que hacer clown y hacer comedia es muy distinto, creo que todos deberíamos hacer algún curso de clown alguna vez en nuestra vida independientemente a lo que nos dediquemos. Sin quererlo, según vamos creciendo, vamos dejando de jugar, nos vamos convirtiendo en unos seres serios y responsables y creo que el juego, la diversión y sacar lo más divertido de cada uno, el ridículo y el absurdo más grande es necesario.

Ed Wood (1994)

2009-12-05T10:00:00.000+01:00

Ed Wood es un joven director de cine, un visionario sin ninguna formación académica, aficionado a vestirse de mujer y con muy pocas oportunidades de hacer películas en un gran estudio. Sin embargo no ceja en su empeño de convertirse en un director famoso. Tras reunir a un curioso grupo de personajes, realiza películas de bajo presupuesto, excéntricas y no muy cuidadas técnicamente.

De lo primero que uno se da cuenta, sin embargo, es que no se trata de un biopic al uso, ni se exalta la figura retratada ni se pone una fuerte distancia frente a ella. Tim Burton hace algo distinto con el personaje de Ed Wood.

En primer lugar, no hace un retrato lineal de toda su vida. Se centra en un período muy concreto de la misma, un espacio de unos 5 – 6 años en la carrera de Edward D. Wood Jr., y más concretamente la etapa en la que conoce y trabaja con Bela Lugosi.

He aquí, en este punto, donde encontramos realmente el fondo de la cinta de Burton. El tema del que se habla en la película. El discurso que se nos propone es el de cómo reaccionaría cualquiera al conocer al héroe de su infancia y llega a trabajar con él. Asunto que además tiene cierto paralelismo con el propio director, pues vivió algo similar al conocer y poder trabajar con el genial Vincent Price (en el cortometraje Vincent y posteriormente en Eduardo Manostijeras), quien moriría poco después.

Así, la relación que se da entre Ed Wood y Bela Lugosi viene a ser una suerte de reflejo entre lo vivido entre Tim Burton y Vincent Price. Ambos crecieron admirando a estas míticas figuras del cine a los que conocieron en su etapa crepuscular y firmaron sus últimos trabajos frente a la pantalla.

El segundo punto que deja claro que no estamos ante la típica biografía llevada al cine, es que no se relata únicamente la vida de Edward Wood, la película, al mismo tiempo, nos está narrando los últimos años del actor húngaro. A través de la ya mencionada relación de amistad (casi paterno – filial) que surge entre Wood y Lugosi, se nos está haciendo una representación de la vida de ambos personajes: sus sueños, miedos, obsesiones…

El tercer aspecto a destacar al referirnos a la peculiar forma de Tim Burton de retratar la biografía de Ed Wood está en algo que ya apuntamos al inicio: el no encumbrar ni mostrar de forma aséptica al personaje. Lo normal en un biopic es seguir uno de estos dos caminos; mientras que en Ed Wood se nos presenta a un hombre muy trabajador y que le pone mucho empeño a las cosas, pero que no tiene talento alguno. Vemos a un director de cine bastante malo – a ratos patético –, pero del que al final nos encariñamos.

Esto se debe al respeto que tanto el director como los guionistas (junto al resto del equipo) sienten hacia ese grupo de personajes. Lo fácil y obvio habría sido dejarles en ridículo en cualquiera de sus desventuras. Sin embargo, la película se sitúa buscando el equilibrio: muestra esos intentos infructuosos por hacer una gran producción, pero con mucho cariño y honestidad en una suerte de homenaje. Es un film en tono de comedia pero sin caer nunca en ridiculizar a sus protagonistas.

Parte de la fuerza que atesora en concreto el personaje de Ed Wood es la interpretación que hace Johnny Depp del mismo. En el fondo, deja un poco de lado su humanidad para convertirlo en un símbolo. Transmite un optimismo y una confianza en sí mismo desmesurada. A pesar de los tropiezos sigue adelante, creyendo en lo que hace, logrando que la identificación y cariño del público sea máxima.

Ya entrando dentro de lo que es la película en sí, cabe recordar que el guión está escrito a partir de la obra de Harry y Michael Medved que, en 1980, publicaron Golden Turkey Awards, en la que distinguieron a Edward D. Wood Jr. como el peor director de la historia. Al no haber apenas datos biográficos ni libros que se centraran en la figura del director, la historia está trazada a través de los testimonios y visiones de muchos de los que colaboraron con Wood y Lugosi en aquella época.

La presentación que hace Criswell al comienzo del film, saliendo del ataúd, ya apunta en esta dirección. En su intervención interpela directamente a los espectadores diciéndoles que lo que van a ver es la verdadera historia de Ed Wood, contada por sus propios protagonistas. Esto sirve como una prueba de verosimilitud, y predispone al público a confiar en que las imágenes que vendrán a partir de ese momento son una representación de la realidad y no una simple ficción.

A este intento de dar veracidad al filme también se puede sumar el uso del blanco y negro, que, además, ayuda a la contextualización de la película en la década de los cincuenta. Así como el (este sí) ficticio encuentro entre el peor director de la historia y el mejor, Orson Wells, en un momento de sus carreras en el que los dos estaban pasando por un altibajo. Así, Burton hace una irónica comparación entre ambos y las dificultades del primero por sacar adelante su Plan 9 del espacio exterior, y del segundo por hacer lo propio con su visión de Don Quijote.

Y es que la historia de Ed Wood no se narra solamente con lo que vemos en la pantalla o lo que nos cuenta el propio protagonista. Recurriendo a referencias como la de Orson Wells (del que Wood era un gran admirador) descubrimos más cosas sobre el protagonista y su obra. Así, la misma presentación de Criswell, tiene un texto muy similar al del comienzo de Plan 9. Los créditos de la obra de Burton también homenajean a dicha película. E incluso, hay múltiples comentarios de los personajes que nos revelan la rivalidad existente entre los dos maestros del cine de terror: Boris Karloff y Bela Lugosi. El húngaro recuerda durante la escena en la que ha de rodar el ataque del pulpo que por orgullo rechazó el papel de Frankenstein. Papel que fue a parar entonces a Karloff y que le supuso la fama, mientras que Lugosi empezó a caer en el olvido.

A este respecto, la escena en que Bela Lugosi acude a la clínica a rehabilitarse de su adicción a las drogas y llama a los medios para que se hagan eco de ello, es un fiel reflejo de cómo sucedió en realidad.

Por otra parte, hay otras menciones que van más allá de las vidas de los propios personajes. En las conversaciones que mantiene Edward con los productores queda patente el interés de aquella época en Hollywood por la ciencia ficción. La obsesión reinante en los EEUU por la amenaza soviética era exagerada. Cuando Ed rueda Glen o Glenda y va a ver al productor de la Warner a venderle nuevos proyectos, resulta cuanto menos esclarecedora la expresión que pone el productor al oír el título de una de las propuestas: “La novia del átomo”. El miedo a los comunistas y el peligro a una guerra nuclear fueron usados de forma muy recurrente por las majors y las producciones más independientes para vender pelis en la época. Un poco lo que pasa ahora con el cine de catástrofes o en los años previos a la segunda guerra mundial en Alemania con su expresionismo y directores como Murnau o Fritz Lang.

En esta búsqueda de la catarsis del público era muy habitual que en los 50 hubiera numerosas producciones de ciencia ficción tales como El increíble hombre menguante o Ultimátum a la Tierra (cuyo fondo argumental mantiene bastantes similitudes con la posterior Plan 9 del espacio exterior).

Son tantas las lecturas que se pueden sacar de esta película que Ed Wood puede presumir no solamente de ser una biografía diferente, que rompe moldes (tanto por el personaje tratado como por la forma de hacerlo), sino también de ser un verdadero y sincero homenaje al cine.

Entrevista: Marta Etura

2009-12-01T11:00:00.000+01:00

No podíamos dejaros con las ganas... así que ya para finalizar con Celda 211 y a la espera de como le vaya en la próxima gala de los Goya os dejamos con la bellísima Marta Etura.

Entrevista: Alberto Ammann

2009-11-28T14:13:00.002+01:00

Viendo el éxito que despertó la entrevista en vídeo a los hermanos Pastor (directores de Infectados) hemos decidido hacer lo propio con Celda 211 y os traemos la entrevista que nos concedió Alberto Ammann.

Celda 211 (2009)

2009-11-23T14:56:00.005+01:00

Juan Oliver se encuentra en uno de los momentos más plenos de su vida. Felizmente casado y esperando un hijo, está a punto de incorporarse a su nuevo trabajo como funcionario de prisiones en Zamora. Con la intención de conocer un poco más de cerca sus funciones, decide presentarse un día antes para ir conociendo el lugar. Sin embargo, tiene la mala suerte de verse envuelto en el estallido de un motín de los presos, debido a lo cual, y para poder sobrevivir, tendrá que hacerse pasar por uno de ellos.

Con esta premisa, Daniel Monzón nos presenta el que es su cuarto filme, Celda 211, basada en la obra homónima de Francisco Pérez Gandul y escrita por el propio Daniel junto a Jorge Guerricaechevarría (guionista habitual de Álex de la Iglesia).
En clave de trhiller de acción, Celda 211 se mueve con un ritmo muy trepidante y hace partícipe al público de todo lo que va sucediendo en la prisión amotinada. Y es que, quitando las escenas de Elena, la mujer de Juan, el resto de la acción transcurre en el interior de la cárcel, lo que acrecienta una sensación de claustrofobia.

Al hilo de esto, y para lograr un mayor verismo en la historia, ésta busca identificarse en ciertos aspectos con el modo de hacer del documental y además ha sido rodada con la cámara Red One, mejorando considerablemente la calidad de imagen.

En un plano ya meramente narrativo, el director logra combinar con mucho acierto los elementos más dramáticos con la acción más impactante, consiguiendo algunas dosis de gran tensión. Además juega muy bien con el contrapunto que supone la relación entre Juan y Elena (Alberto Ammann y Marta Etura) para suavizar y hacer descansar al espectador de lo que está aconteciendo en el interior del penal.

Celda 211 es una película que supone una auténtica ruptura hacia lo que nos tiene acostumbrado el cine español. Está carente de esa mirada pedante de algunos autores patrios que se las dan de saber más que nadie acerca de lo banal y lo espiritual olvidándose por completo de su público. Celda 211 es una película sincera en cuanto a que desde el principio deja claras sus pretensiones de entretener. Nada más. Recoge muy bien las claves del cine norteamericano de contar una historia ágil y convincente, al tiempo que muestra una fuerte profundidad en sus personajes.

El otro aspecto diferenciador respecto a nuestro cine es la forma de abordar temas más candentes y polémicos como el de las condiciones de los presos en las cárceles españolas y el de los reclusos etarras. Al contrario de otras películas que abordan estos temas de una forma un tanto viciada, Daniel Monzón se limita a mostrar una realidad a modo de McGuffin para poder avanzar en la trama. Tanto las condiciones de los encarcelados como el trato especial a los etarras y el uso político que se hace de ello están en un segundo plano. Son cosas que suceden en nuestras cárceles y como tal, están reflejadas. Si bien, la carga crítica hacía estos temas es más que evidente.

Retomando esas similitudes con el cine hollywoodiense, es curioso el símil (salvando las distancias) que se puede encontrar entre los personajes de Ammann y de Ethan Hawke en Training Day, así como la relación de desconfianza / respeto que llegan a establecer con sus respectivos compañeros: Luís Tosar y Denzel Washington.

Tanto Juan Oliver como Jake Hoyt son dos jóvenes muy enamorados que están comenzando a formar una familia y se enfrentan al primer – y más difícil – día de trabajo. Frente a ellos están Malamadre y Alonzo Harris que les enfrentarán a situaciones límites y les harán cuestionarse muchas cosas.

Dejando de lado esta comparación, es indudable que el mayor atractivo de Celda 211 está en un impresionante Luís Tosar, que quizás haya firmado el mejor papel de su carrera. La fuerza y carisma de su personaje es ya, por sí sola, motivo suficiente para disfrutar de la película.

Ante esto, Alberto Ammann se encuentra con un reto enorme, y más tratándose de su debut cinematográfico. Pero lejos de amilanarse, se pone a la altura de Malamadre y ambos nos deleitan con un extraordinario duelo interpretativo. Duelo éste, bien asistido por unos secundarios de altura: Marta Etura, Carlos Bardem y Antonio Resines (ahuyentando por fin el estigma de Los Serrano y volviendo a dar lo mejor de sí).

Sin embargo, como no todo puede ser perfecto, hay que resaltar la falta de credibilidad que transmiten los funcionarios de prisiones. Todo el esfuerzo por hacer lo más realista posible el motín y lo relacionado con los presos no termina de tener su réplica en la otra parte. Se percibe una suerte de descuido y de atención hacia ellos. Así como algún momento de excesiva sobreactuación por parte de alguno de los actores.

En conclusión, estamos ante una película bien contada, con grandes interpretaciones y de la que se pueden sacar varias lecturas. Sin duda, una de las cintas llamadas a ser de las referenciales de nuestro cine reciente.

Entrevista: David y Álex Pastor

2009-11-18T10:00:00.001+01:00

Tras el último post, nos quedamos con ganas de saber algo más acerca de Infectados. Es por ello que publicamos esta entrevista a los directores David y Álex Pastor aparecida en La Huella Digital. Como novedad, esta vez no habrá que leer, sino que la mostramos en un vídeo editado por uno de nuestros colaboradores:

Carriers (2009)

2009-11-15T10:00:00.003+01:00

David y Alex Pastor debutan con un largo made in Hollywood. Tras el éxito cosechado con cortometrajes como Larutanatural, nos traen Infectados, una historia apocalíptica producida nada menos que por Paramount Vantage (la filial para proyectos independientes de Paramount).

Infectados narra el viaje de dos hermanos que, junto a la novia de uno y la amiga del otro, cruzan los EEUU en coche con destino a una pequeña playa en la que asentarse alejados de cualquier rastro de humanidad, huyendo de un virus que ha diezmado a la población mundial. La cinta, rodada en clave de road movie, hace uso de la amenaza vírica como una excusa y un contexto para centrarse en temas más íntimos y relacionados con la conducta humana. Infectados habla de las reacciones, del miedo, del egoísmo del que podemos padecer cualquiera en unas circunstancias en las que este puede ser la diferencia entre vivir o no.

La ópera prima de los hermanos Pastor tiene un planteamiento muy similar al de filmes como 3 días o El tiempo del lobo: toma un acontecimiento con tintes apocalípticos (una epidemia mundial, el impacto de un meteoro, una guerra nuclear…) y lo deja en un segundo plano. Huye de los clichés que casi obligan a meter por medio a fuerzas de seguridad, ejércitos y gobiernos para hacerse cargo de todo y controlar la situación. A cambio, nos regalan unas historias mucho más complejas e intimistas que nos hablan de las consecuencias y repercusiones que tienen coyunturas de tales magnitudes en una familia. Descubrimos lo que sucede a su alrededor por pequeños detalles, no sé dice nada del contexto claramente.

Infectados no sólo sorprende por la forma de contar la historia, sino que, como dato de interés, el guión está escrito por los propios directores. Algo que resulta casi impensable en España: directores noveles trasladando a imágenes una propuesta tan arriesgada y salida de su puño y letra.

Con un comienzo más acorde con el de una cinta de zombis o terror adolescente al uso, con las jóvenes estrellas del momento como reclamo; Infectados se revela como algo más. Pronto muestra sus intenciones de ir más allá del terror y se descubre como un trhiller con unos personajes muy identificables, donde no hay ni buenos ni malos, sino gente corriente que saca tanto lo mejor, como lo peor de sí misma en una situación límite.

Para dar vida a estos personajes tan “grises”, los directores se decantaron por gente con poco nombre todavía en la industria hollywoodiense como Lou Taylor Pucci (quien sorprendió en Thumbsucker) o Chris Pine (Infectados se rodó antes de que el actor saltara a la fama con Star Trek). Poco se puede decir de ambos, salvo que habrá que tenerlos en cuenta para el futuro. Debajo de esa fachada de joven estrella con apariencia sexy, Pine esconde gran carisma y aptitud para la interpretación. Siendo Piper Perabo, por su parte, quien tenga que enfrentarse al personaje más desdibujado y plano.

También destacar a Christopher Meloni (visto en la televisiva Ley y Orden), solvente en el papel de padre que ha de intentar sobrevivir junto a su hija.

Con momentos de gran tensión, Infectados supone un soplo fresco al cine de género y, en cierto sentido, se asemeja a filmes como ¿Quién puede matar a un niño? en cuanto a que la amenaza se produce a plena luz del día.

Bien es cierto que se puede acusar a la cinta de quedarse a medio camino en algunas ocasiones y un final que igualmente no se llega a rematar del todo. Aún así, se trata de una experiencia diferente, de una revisión a las reglas no escritas del cine apocalíptico, de terror… que sorprende, además, por su realismo, nivel y cuidado de la ambientación y su buen hacer técnico (el cuidado de la fotografía es espléndido).

Y para concluir esta reseña, nada mejor que escuchar a los propios directores en la rueda de prensa de presentación de la película:

Entrevista: Daniel Monzón

2009-11-12T11:00:00.002+01:00

Este mes lo damos todo con Celda 211. La película de Daniel Monzón ha tenido muy buena acogida por parte de público y crítica. Motivo por el cual recogemos una entrevista que concedió Daniel Monzón para (como viene siendo habitual) La Huella Digital a principios de octubre:

Pregunta: ¿Cómo llegó el libro a sus manos?

Respuesta: Uno siempre sueña con que le lleguen materiales interesantes por parte de los productores y en este caso, así fue.

P: ¿Qué fue lo qué le enganchó de él para querer adaptarlo?

R: Me mueven los retos. Y Celda 211 contenía uno muy grande para un director, sostener dos horas de tensión a partir de pocos elementos, eso sí, los elementos esenciales: trama, puesta en escena y actores. Esta vez no había decenas de localizaciones, sólo cuatro paredes, ni grandes efectos especiales o música sinfónica para atrapar al espectador. Se trataba de lanzarse a contar una buena historia de manera casi asceta, sin posibilidad de guardarse cartas en la manga…

P: La historia tiene lugar durante un motín en una cárcel, pero lo cierto es que éste no es más que la excusa para hablar de temas más complejos como el comportamiento ante situaciones límite o la amistad…

R: Así es. No la considero una película carcelaria sino una historia de personajes. Cómo un hombre bueno, lo que se dice alguien normal, descubre cosas de sí mismo que desconocía al enfrentarse a una situación de una tensión excepcional y cómo un hombre en principio brutal y despiadado puede acabar mostrando un grado de nobleza y humanidad mayor que el de sus carceleros. La película propone un viaje emocional espero que intenso y también, como apuntas, plantea una muy peculiar historia de amistad entre estos dos tipos tan opuestos, que hubieran sido antagónicos en cualquier otro contexto y que viven juntos las treinta horas más decisivas de su vida.

P: ¿Se puede decir entonces que es una película de personajes más que un thriller al uso?

R: Es que son dos cosas que no creo que estén reñidas. Me han preguntado mucho estos días si la considero una película de género o de autor por aquello de haber sido seleccionada en Venecia dentro de una sección consagrada al cine de autor. Yo creo que el cine de género no está reñido con la, llamémosle, “autoría”. El término fue acuñado por la gente de Cahiers, que luego serían importantes cineastas, y lo aplicaron a directores como Howard Hawks, Alfred Hitchcock o John Ford, perfectos autores que se expresaban a través del cine de género. Yo considero que he hecho películas con una mirada propia, con un universo personal, si es lo que se entiende por “autoría”, enclavadas en distintos géneros. Celda 211 puede ser catalogada como una película de suspense, un thriller de política ficción, como un drama, o como le apetezca a cada espectador. Lo importante es que conmueva. Eso es lo que a mi juicio distingue las buenas de las malas películas, independientemente de la etiqueta que quiera ponérselas.

P: También le da tiempo a meterse en política…

R: Lo que más me gusta del comentario sociopolítico que pueda contener Celda 211 es que nunca está en primer término, forma parte del contexto. No es el objetivo de la película, surge de la propia acción, de la propia condición de microcosmos que posee el universo de la cárcel… Nunca me ha interesado el cine discursivo.

P: ¿No cree que se percibe cierta carga crítica ante las políticas frente a ETA llevadas a cabo en los últimos tiempos? (Con independencia de quien esté en el poder)

R: Cuando Jorge Guerricaechevarría y yo visitábamos cárceles para tratar de enriquecer la historia de ficción que nos traíamos entre manos, nos dimos cuenta de que la vida en una penitenciaría era un reflejo condensado de la sociedad de fuera. Incluso un preso muy agudo nos apuntó una frase memorable: “la cárcel es como el mundo de fuera sólo que en mp3”. Poco a poco nos dimos cuenta de que Celda 211 tenía cierta calidad de parábola, de fábula negra o como quieras llamarlo. Y queríamos conservar esa cualidad abstracta sin asentar la historia en ninguna época concreta. Como muy bien dices, la película dispara con bala contra aquellos que consideran unas vidas más importantes que otras por el transitorio valor político que puedan acarrearles. Y no es una práctica de izquierdas o de derechas. Es una práctica del poder.

P: Esta es su segunda colaboración con el guionista Jorge Guerricaechevarría (habitual de Alex de la Iglesia)… ¿qué visión le aporta a sus proyectos?

R: Para empezar aporta una extraordinaria carga de humor al día a día de trabajo, lo cual es impagable. Es uno de los hombres más ingeniosos que conozco. Y eso es también lo que aporta a un guión, un ingenio desbordante. Es el compañero de viaje ideal para sobrellevar ese desasosiego que le entra a uno cuando escribe en solitario y piensa que lo que tiene entre manos no le va a interesar a nadie. Jorge además, es un dialoguista brillante. En Celda 211 estuvo especialmente inspirado.

P: ¿Cómo fue el trabajo de documentación de la película?

R: Nos dimos cuenta pronto de que la mejor manera de contar esta ficción era desde una apariencia de verosimilitud casi documental. Así que, paralelamente al trabajo de estructura del guión, decidimos embarcarnos en un proceso de documentación que nos embebiera de la mayor carga de realidad posible. Visitamos cárceles, hablamos con presidiarios, leímos libros y diarios de presos históricos, mantuvimos charlas con funcionarios, educadores, familiares de presos… y con todo ese material y experiencias bulléndonos dentro sentimos que había que escribir una primera versión de manera muy suelta, casi de corrido, en todo lo que a diálogos se refería porque Jorge se había impregnado como una esponja del espíritu carcelario. Tiene oído casi de músico y una capacidad de sumergirse en un universo ajeno y moverse por él como un sherpa mientras dura el proceso de escritura.

P: ¿Por qué recurrir a Ex – presos como extras del film?

R: Precisamente por esa búsqueda de una apariencia de realidad, ese estilo casi verité con que sentí que había que contar esta historia. Había que conseguir situar al espectador en el mismo ojo del huracán, que fuera como el propio Juan, atrapado en el centro de un furioso motín. No quería una figuración convencional, quería presencias creíbles. El que hubiera presos entre la figuración no sólo ayudaba al verismo sino a que todos, actores y técnicos, nos sintiéramos parte de un auténtico motín. Esa era la energía que requería la película y su rodaje… Además, eran una fuente constante de documentación, ¡algunos tenían más notas en el guión que los propios actores!

P: ¿Hay algún tipo de referente o influencias que haya tenido en cuenta para llevar adelante la película?

R: Procuré no revisar ninguna película carcelaria. Intenté que todas las influencias plásticas me llegaran de la propia observación de la realidad y de la influencia que la cárcel real donde rodamos ejercía sobre mí, sobre los actores y sobre el equipo a la hora de planificar, encuadrar o coreografiar la acción… Quise huir de tantos tópicos grabados a fuego en nuestro cerebro -y que proceden fundamentalmente del cine de prisiones norteamericano-, para encontrar una voz propia, reflejar la particular idiosincrasia de la prisión española en la que, por ejemplo, no se lleva ningún tipo de uniforme. Es un mundo más barroco, con un tipo de sorna muy autóctono…

P: En cuanto a la elección de actores… ¿los distintos papeles estuvieron claros desde el principio?

R: Jorge y yo escribimos con Luís Tosar en la cabeza para el papel de Malamadre. Tachuela también sabíamos que nos encantaría que lo encarnase Vicente Romero. La suerte es que ambos quisieron interpretarlos. Pero el resto de los papeles estaba más abierto. Me tomé mucho tiempo y cuidado en la confección del reparto. El proceso llevó casi un año en compañía de dos extraordinarias directoras de casting, Eva Leira y Yolanda Serrano que, entre otros grandes hallazgos, fueron las que me condujeron a Alberto Ammann para el papel de Calzones. El actor revelación del año. Estoy muy orgulloso finalmente del conjunto de los actores, creo que resulta un reparto de una enorme solidez. Como decía Kubrick, la mejor dirección de actores consiste en saber elegirlos.

P: ¿Qué vio en un prácticamente debutante como Alberto Ammann para ofrecerle uno de los roles protagonistas?

R: Necesitaba una presencia nueva, alguien sin bagaje cinematográfico que situase al espectador en el mismo punto de desconcierto en que se encuentran los presos ante la aparición de Calzones: ¿quién demonios es este tipo? Ese actor recién llegado debía tener la capacidad de aparecer primeramente como un hombre blanco, bueno, para irse revelando, ante los presos y ante sí mismo, como otro hombre distinto, con una capacidad de reacción sorprendente y una progresiva metamorfosis en su viaje al fin de la noche, que diría Céline… Reunir todo eso en un actor sin experiencia era sencillamente imposible. Cuando Eva y Yolanda me sugirieron probar a Alberto, que conocían de un concurso de talentos del que habían sido jurados, yo ya pensaba que nunca íbamos a poder encontrar un actor adecuado para semejante personaje. Pero ya desde su primera prueba pude comprobar su poderosa capacidad de intuición, la intensidad de su mirada, su madera innata de protagonista… sentí que estaba ante un actor grande, alguien que no parecía primerizo, que se hubiera pasado toda la vida delante de una cámara…

P: Luís Tosar está impresionante… ¿le costó meterse en la piel de Malamadre?

R: Luís es un hombre de una discreción tal que podrías llegar a no darte cuenta del ímprobo esfuerzo que realiza para llegar a semejante verdad con el personaje. Pero yo no quería perderme nada del placer que significó acompañarle en todo ese viaje al encuentro del alma de Malamadre. Desde nuestra primera y apasionada charla en un café hasta que al fin rodamos la película transcurrió quizá un año entero debido a una serie de retrasos del rodaje. Esa dilatación acabó siendo una bendición porque nos permitió encontrar muchas cosas, profundas y también accesorias. Y nos permitió probar y ensayar, como diría el propio Luís, a dolor. Una visita en la que hablamos durante varias horas con un preso histórico acabó de darnos algunas claves fundamentales que a Luís sentí que le acompañaron durante todo el rodaje. Para mi era un placer contemplar desde el otro lado de la cámara, como primer espectador de la película, el trabajo extraordinario que estaba creando este pedazo de actor día a día.

P: La acogida hasta el momento por parte del público y la crítica internacional está siendo muy buena, ¿Era algo que esperaba?

R: Más que esperar, uno siempre desea que ocurra algo así. Pero si sucede, resulta sorprendente. Una sorpresa feliz, qué duda cabe…

P: ¿Cómo espera que la reciba el público español?

R: Ojala la reciba con la misma intensidad y emoción que el público internacional. Venecia y Toronto son dos de los festivales más importantes del mundo y la recepción allí ha sido absolutamente extraordinaria, apabullante incluso… Uno desea llegar a todos los públicos pero, al menos a mí, me afecta especialmente el hecho de conectar con el de casa…

P: ¿Qué le ha parecido la decisión de la academia respecto a las candidatas a la preselección de los Oscar?

R: La Academia no es un ente abstracto, está formada por una serie de miembros entre los que me cuento. No puede dejar de parecerme bien una votación transparente en la que, además, yo mismo participo.

P: ¿No siente un poco de lástima que su Celda 211 no estuviera entre las elegidas viendo el recibimiento obtenido en festivales como los de Venecia o Toronto?

R: Sentí un poco de lástima, cinco minutos de lástima para ser exactos. Me alegró mucho en cambio el hecho de que gente a la que admiro tanto como Fernando Trueba o Alex de la Iglesia declararan que echaban de menos que Celda 211 no se contara entre las finalistas. Quizá Celda 211 tendría que haberse presentado el año que viene, cuando hubiera podido ser vista por más miembros de la Academia.

P: Bueno, ya para concluir… ¿qué opinión le merece la nueva tecnología del 3D en el cine? ¿Puede ser tan revolucionaria como algunos preconizan o quedará cómo una herramienta más?

R: He de confesarte que, a pesar de las ganas locas que tengo de ver una película con el renovado sistema de 3D, aún no he podido hacerlo por el poco tiempo libre que me ha dejado la postproducción de Celda 211. Y las películas de animación como Bolt, Ice age 3 o Up las he ido a ver con mi hija de dos años, así que opté por el 2D para no descomponerle el cerebro a tan tierna edad… Hasta que no tome conciencia empírica de lo que verdaderamente aporta y significa esta tecnología no podré contestarte a esta pregunta. Pero en principio, siempre me ha divertido mucho todo lo que acerca el cine al espectáculo de barraca de feria…

Fotos: José Haro

The Box (2009)

2009-11-09T10:00:00.011+01:00

Richard Kelly vuelve a la actualidad cinematográfica con The Box, su tercera película tras el sonado fracaso de Southland Tales y la obra de culto Donnie Darko. The Box nos sitúa en 1976 con una premisa tan sugerente como sencilla: un matrimonio recibe de un desconocido una caja, ésta contiene un dispositivo con un botón que pueden – o no – pulsar. Si pulsan el botón recibirán un millón de dólares, a cambio, una persona anónima en cualquier parte del mundo, morirá. Y sólo tienen 24 horas para aceptar o rechazar la oferta.

Lo dicho, un planteamiento prometedor que se basa “Botón, botón”, relato corto de Richard Matheson. El problema está en que es una propuesta con poco recorrido, presentado el dilema y su resolución, todo lo demás carece del gancho suficiente para sostener un film de 110 minutos.

Y es que, ante la dificultad que plantea adaptar un relato de tan sólo 6 páginas, Richard Kelly ha tenido que engordar la idea con retazos de thriller de conspiraciones, mucho simbolismo, dobles lecturas y mensaje trascendente y todo ello envuelto en un aura de ciencia ficción. En este sentido, The Box recuerda mucho a las historias narradas en series como Los límites de la realidad o Más allá del límite.

Tras el varapalo que se llevó el director con Southland Tales, parece haber recurrido a las maneras apuntadas por su ópera prima (Donnie Darko) y recoger parte de su esencia. O al menos ésta es la sensación que le llega a uno que conozca y haya disfrutado de su primera cinta. Y la desilusión no puede ser mayor. Se percibe el intento, pero todo el mundo sabe que las comparaciones son odiosas… e inevitables… toda esa paranoia, ese rompecabezas que convirtió a Donnie Darko en un clásico de culto, aquí se queda a medio camino de todo. Tal vez porque se ha querido dar una profundidad y una complejidad a unos planteamientos que son tan simples y están tan claros de por sí que no tienen vuelta de hoja.

Por ello, The Box resulta algo desconcertante y con muchos altibajos de interés.

Otro de los aspectos negativos que se le pueden achacar a la cinta es su elección de actores. No todos claro. Frank Langella por ejemplo, hace un trabajo estupendo, logrando trasmitir un halo de temor y misterio al tiempo de una gran cercanía hacia su personaje. Por el contrario, el matrimonio protagonista: Michael Marsden y Cameron Díaz, sin dejar de ofrecer unas actuaciones bastante correctas son una pareja que no funciona en pantalla. A medida que va avanzando la película uno se va creyendo más su relación (las casi dos horas de metraje ayudan a ello), pero el choque inicial se va arrastrando durante más de lo recomendable.

Lo que sí es de envidiar es la ambientación y lo trabajado del contexto y la atmósfera del film. Es todo un acierto ambientar la historia en la década de los 70 que, vista desde una perspectiva más contemporánea, es más ingenua; donde tendría cabida sin mayores dificultades que por pulsar un botón se consiguiera un millón de dólares y alguien pudiese morir simultáneamente. Vienen a la mente las historias de La Dimensión Desconocida o Creepshow y un agradable aroma a la clásica serie B.

Para hacerla más verosímil, Richard Kelly, introduce la trama en pleno apogeo investigador de la NASA, con el programa Viking que mandó los primeros “robots” para investigar la superficie de Marte. Contexto científico para una historia fantástica que tiene unas intenciones de reflexión poco afortunadas o mal planteadas.

Pero, en favor de las presumibles pretensiones del realizador, al concluir el visionado del film hay dos preguntas que se plantean casi obligatoriamente: ¿Y sí…? o ¿qué haría yo en su lugar?

En conclusión, The Box nos ofrece una premisa muy interesante pero con un desarrollo algo errático y falto de ritmo. Entretenida en muchos momentos, pero con otros sin mayor interés. Cinta curiosa que a los nostálgicos de las series clásicas de ciencia ficción dejará con un buen sabor de boca.

Entrevista: Luís Tosar

2009-11-05T15:09:00.015+01:00

Aprovechando el estreno de Celda 211, la última película de Daniel Monzón acerca de un motín que estalla en una cárcel de Zamora... recogemos esta entrevista que nos concedió Luís Tosar para La Huella Digital:

Pregunta: El film está teniendo muy buena acogida allá dónde va: Venecia, Toronto… ¿esperaban algo así?
Respuesta: Hombre, ha habido una grata sorpresa (risas) pero claro nunca sabes muy bien, porque aunque tengas sensaciones buenas, es muy difícil. Pero la sensación de que realmente estas haciendo algo que está bien, de que tienes muy buen guión entre manos, que las escenas salen bien, que notas un feeling con el resto de los actores, incluso con la figuración que tuvo mucho que ver en esta peli… acabas de rodar y tienes la sensación de que, joder, realmente esté bien. ¿Qué pasa? Que luego tiene que pasar muchos procesos, es lo que tiene el cine, que hasta que está la peli realmente acabada y enlatada nunca sabes exactamente que es lo que hay entre manos. Incluso después, siempre tienes la duda, aunque te guste a ti, dices: “le gustará al resto del mundo o no”. Entonces bueno, para esto los festivales, sobre todo Venecia, el primero al que fuimos ahora, al enfrentarla al público, ya no solo a la crítica y al mundo de la industria… sí, la peli parece que gusta.

P: Toda la crítica coincide en elogiar su actuación como la mejor que ha hecho hasta ahora, incluso ya hablan de posible candidatura al Goya… ¿cómo lo está recibiendo?
R: Con esas cosas yo toco madera, porque basta que lo digan para que luego no te lo den. Y en cualquier caso creo que la fase importante todavía es la de que la peli se estrene y que la gente vaya a verla o no. Porque, claro, tampoco podemos congratularnos única y exclusivamente con la crítica y con la opinión de los compañeros de la industria porque luego al final esto no va a ningún lado. Realmente donde se deben medir las pelis es en las salas. Y esto es una incógnita, porque puede pasar que tengas una peli cojonuda y que finalmente no funcione por una razón o por otra… o bien por cuestiones de mercado que estrenas pegado a otra que te barre directamente la taquilla o de repente la peli no despierta tanto interés como creías que lo iba a hacer.

P: Ahora bien, una vez terminada la película… ¿hay algo que haría de otra forma o que intentaría mejorar de su actuación?
R: Sí, por supuesto, lo que no se muy bien como lo haría (risas). Cambiaría cosas, claro. Me encantaría hacerlo mejor, pero ahora, que lo podías hacer mejor, no lo sé (risas) eso pasa en todas las pelis… Tú haces unos planes, a veces salen bien y estás contento. Luego enseguida empiezas a pensar: “coño esto lo podría mejorar, esto no sé que”… yo por eso también procuro no ver demasiado las pelis en las que curro porque llega un momento en que ya no es productivo. Hay una fase en la que sí, en la que dices: “coño esto no acaba de estar bien, creo que si lo hubiese hecho así pues igual funcionaría mejor, estaría mejor aprovechado la situación, igual redondearía más la escena no se qué”… pero luego llega un momento en que ya empieza la tortura: “joder, esto es una porquería, esto tal”… hubo un tiempo en el que sí lo hacía así, pero luego descubrí que no tiene ninguna eficacia, que lo único que haces es torturarte y la peli no la vas a mejorar porque ya es la que es… En teatro sí, lo que pasa es que en teatro nunca tienes la objetividad que tienes en una peli. En teatro añoras tener la objetividad de verlo en una pantalla y decir: “vale pues esto así, esto no, lo voy a cambiar”… en teatro estás tan dentro, que lo ves cuando ya has dejado de hacer la función hace meses y dices: “y yo por qué hacía esto si realmente esto es así”.

P: ¿Qué fue lo que le atrajo del proyecto?
R: Bueno, me atrajo sobre todo el guión cuando lo tuve entre manos. Yo leí la novela un tiempo antes, cuando me informaron del proyecto… los productores me enviaron la novela, me pareció que estaba muy bien, que era un material muy bueno para hacer una película. Pero también que era muy complicado de trasladar porque la novela tiene un estilo narrativo muy peculiar, muy bien escrito, pero que no es nada cinematográfico. Entonces bueno, estaba muy expectante para ver como recogían el material Daniel y Jorge Guerricaechevarría y hacían con eso un guión. Y la verdad es que la sorpresa fue muy grata. Porque creo que cogieron lo mejor que había en la novela y lo transformaron en un guión que era totalmente cinematográfico… para mí fue la gran alegría y enseguida llamé a Daniel, le dije que me parecía maravilloso el guión y luego también, un poco la sorpresa de que él quería que hiciese Malamadre y no Calzones, que era lo que yo había pensado.

P: Pasó casi un año desde que recibió el proyecto a que empezaron a rodar ¿no?
R: Sí, en realidad más de un año desde que yo leí la novela hasta que ya finalmente rodamos,. Y más o menos un año desde que Daniel y yo empezamos a hablar ya con el guión en la mano de cosas, de Malamadre y de la peli.

P: Malamadre se parece bien poco a lo que venía haciendo hasta la fecha… ¿Papel arriesgado?
R: Sí, pero era muy goloso también. Me dieron un papel que era un regalo y dije: “coño, si no hago esto es que soy tonto”. Luego tenía un componente ahí de bueno, tirarse a la piscina, de cambiar un poco de tercio, pero que era también algo consensuado con Daniel, que siempre estuvo diciendo: “venga tío, vamos aquí yo lo que te apetezca lo hacemos”… y claro, a mí me apetecía un poco de show y a él también. Decidimos que aparte de hacerlo todo lo correcto que pudiésemos, pues también nos podíamos meter en otro terreno, un poco más de espectáculo.

P: ¿Cómo ha sido la preparación del personaje?
R: Pues larga y un poco… dudosa más que nada. Porque iba como pasando de unos lados a otros. Pasó por muchas fases, pero creo que todo lo que fuimos haciendo, todo el trabajo previo, fue conduciéndolo hacia ese lugar. Malamadre, como está hecho con cachos de muchas cosas: gente que yo conozco; de otra gente que no, pero que imagine que podrían ser así a través del guión; gente que conocimos a lo largo del proceso; cosas que fuimos recabando en las cárceles; documentación; peña que ves… todo eso está en Malamadre, entonces bueno, fue un trabajo de meses.

P: ¿Algún tipo de referencias personales?
R: Por ejemplo, la voz, viene inspirada por un amigo mío. Siempre pensé que la voz de este tipo se merecía estar en algún personaje. Y entonces Malamadre de repente fue el lugar, porque cuando lo leí me pedía que tenía que ser algo así. Tenía que tener una manera de hablar especial y una voz que mostrase todo lo machacado que está este tipo y los 20 años que puede llevar dentro del talego. Fue muy determinante, pero también fue de las últimas cosas en salir… yo la ensayé durante bastante tiempo, aprovechando que tenia que leer unas cuantas cosas: leía en voz alta, trabajaba la voz para ver si tal… pero la decisión última la tomamos bastante tarde. También porque creíamos que era la decisión más radical y más arriesgada… es decir, directamente es cambiar la voz. Aquí, si funciona, estará bien, pero es que si no… va a ser un pastiche. Pero bueno, sí, creo que, más o menos funcionó.

P: ¿Cómo es Malamadre?
R: Es un tipo que tiene un código moral muy férreo que no tolera la traición, que respeta cosas como la amistad y el valor de la verdad y la mentira. Aunque luego, pues eso, probablemente matar a un tío le da igual, pero la razón por la que matas a un tipo, eso ya no le da igual… Yo creo que él valora más que un tipo mate a alguien porque lo odia que no que dejen matar a alguien simplemente porque bueno… eso es lo que a él le revienta. Y es un poco también de lo que habla la peli. Es decir, ¿dónde hay más delito?, en el qué mata, el qué pega un cuchillazo a otro tío… o el qué deja que lo maten, el qué hace la vista gorda.

P: ¿El que hubiera antiguos presos trabajando como extras le ha ayudado a meterse en la piel del personaje?
R: Yo creo que nos ayudaba a todos los actores en general. Era una fuente de inspiración que estaba ahí. Incluso nos ayudaban mucho, siempre tenían alguna idea de como se podían hacer las cosas. Y yo creo que ellos también, de alguna manera, se estaban convirtiendo en actores en ese momento… bebían un poco de nosotros, había una especie de simbiosis ahí muy graciosa que también provocó situaciones de mucha risa.

P: ¿Planteó alguna dificultad rodar en una cárcel de verdad?
R: Sobre todo lo que hubo fue que limpiarla, porque tenía una cantidad de mierda espectacular aquella cárcel cuando llegamos. Llevaba doce años abandonada… prácticamente todos los animales de la zona ya se habían hecho ahí su casa. Y luego reconstruir algunas cosillas y poner en funcionamiento cosas que se habían venido abajo. Pero yo creo que fue un gran acierto, porque ya el aspecto de la cárcel era el que había. Muchas cosas, por ejemplo el color rojo de las rejas, puertas y todo eso, era algo que ya estaba allí. Que es algo a lo que quizás no te atrevas a hacer si tienes que construirlo de la nada… el color rojo que en principio era casi como una redundancia de que estamos contando una historia de violencia, de sangre, de una tragedia griega… y encima vamos a poner todo de color rojo… pues bueno, era el que había. Eso también creo que animó mucho a Dani a decir: “bueno, esto es documental, al fin y al cabo la realidad es esta ¿no? Pues ya está”.

P: ¿Existe mucha diferencia entre rodar en 35mm a hacerlo en digital? ¿El actor encuentra mayores facilidades?
R: A la hora de rodar sí. Es la diferencia de poder hacer una, dos, tres tomas y a veces ya andar ahí raspaditos, a poder hacer las que quieras. Rodar planos secuencias muy largos sin tener la preocupación de que estás gastando un montón de película… poder ensayarlos tranquilamente y grabarlos, verlos y luego volver ya a rodarlos. Ese tipo de cosas creo que sí ayudan, no solo a los actores, sino también en muchos casos a los directores. ¿Qué pasa? Igual se pierde un poco el encanto que tenía el cine, de ese nervio de que las cosas tienen que salir bien porque la película empieza a rodar y tal… pero bueno, creo que es un mal menor comparado con las ventajas que te da el HD, que al final te da el placer de jugar muchísimo más y encontrar cosas que son maravillosas.

P: Volviendo a Malamadre, su relación con Juan Oliver (Alberto Amman) va evolucionando a medida que avanza el metraje… de la inicial suspicacia al respeto y una suerte de amistad…
R: Sí, totalmente. Es una de las cosas que teníamos muy claras desde el principio. La relación entre estos dos tenía que funcionar, y funcionar muy bien para que la película se sostuviese; porque al final es una peli sobre la creación de una amistad entre dos tipos que a priori son completamente antagonistas y cuyos objetivos en la vida no tienen absolutamente nada que ver. Pero ¿qué pasa?, que Calzones, Juan Oliver, se ve metido en unas circunstancias que hace que cambie su parecer con respecto a muchísimas cosas. Su vida cambia radicalmente por desgracia, y Malamadre, en buena parte, es el causante de todo eso, aunque él no sea muy consciente de ello porque no tiene ninguna culpa de que Juan Oliver esté allí. Pero de alguna manera también, Malamadre tiene cosas que Juan Oliver rescata de él y por eso llegan a esa intimidad.

P: El trabajo de Alberto Amman, a pesar de ser prácticamente un debutante, también ha sorprendido gratamente. ¿Cómo lo ha visto usted?
R: Pues Alberto es que es una máquina. Nos conocimos haciendo unas pruebas para la peli. Y creo que en esa prueba, todos los que estábamos allí: Daniel Monzón, Eva y Yolanda las directoras de casting y yo… creo que a ninguno le cupo la menor duda de que iba a ser Calzones. Porque de repente, nos encontramos con un actor de talla gigante, con una pureza en la mirada, con una fuerza espectacular, con una técnica ya muy depurada, a pesar de ser un tipo que iba a hacer su primera película y que daba lo que tenía que tener ese personaje.

P: Coinciden también en Lope, que ha terminado de rodarse hace poco.
R: Sí, de hecho es una relación un poco similar. Lo que pasa es que desde puntos de vista completamente diferentes. Pero bueno, nos hacía gracia investigar una relación de amistad similar pero en una época que no tenía nada que ver, y con roles completamente diferentes… también hubo un momento en que pensamos si deberíamos estar juntos en esa película o no. Por si de repente no sabíamos como darle la vuelta a aquello. Pero vamos, realmente decidimos que tampoco tenía mucho que ver, los conflictos eran completamente diferentes.

P: Aparte de esta “Celda 211” tiene otros proyectos ya estrenados como “Los límites del control” de Jim Jarmush…
R: Fue un placer muy breve (risas) pero muy intenso. Trabajé con él tres días, me parece que fueron, porque eran todo historias así muy cortitas, muy episódicas… y bueno, me hubiera gustado estar más tiempo con él porque es un tipo muy especial. Tiene una forma de trabajar que creo que es muy interesante, muy atípica. No tiene mucho que ver con ninguna otra persona con la que yo haya trabajado. Tiene una forma de afrontar el cine con un concepto de la aventura y de la valentía total… llega allí y va a crear una peli, pero con pocos planes preconcebidos. Es un tipo que el nihilismo lo lleva hasta las últimas consecuencias.

P: Además, sigue tan comprometido como siempre… ha participado en el documental “Flores Tristes” de Manuel Abad sobre la represión franquista. ¿Cómo surgió?
R: Este proyecto lo tenía Manolo desde hacía bastante tiempo, intentando levantar esa historia… al final lo consiguió y nos dejamos liar unos cuantos. Además, yo a Manolo lo conozco de haber trabajado con él en la TV gallega y nunca habíamos tenido la oportunidad de hacer ficción… bueno, tampoco es ficción, pero digamos que lo nuestro tiene más que ver con ficción que con documental, porque es una parte un poco narrativa lo que hacemos los actores. Apetecía y era además muy bonita la historia que se contaba.

P: El posicionarse ante determinadas causas que consideran justas y prestar su imagen por ellas… ¿Lo considera cómo una responsabilidad respecto a todos aquellos que no pueden o no saben como hacer oír su voz?
R: No es que lo vea como una responsabilidad, es casual. Se te brinda la oportunidad de prestar tu voz para eso y hay determinados sectores que no van a tener ningún tipo de foro en el que se los escuche si no hay alguien que sea mínimamente conocido como para que de repente los medios de comunicación se hagan eco de eso. Esto es lo triste, que es que esto ocurre. Si en alguna medida puedes ayudar siendo simplemente un ciudadano que está ahí y que es más conocido y sabe que si convocas a los medios van a aparecer; pues bueno, ya algo estás haciendo y estás sirviendo para algo. No es simplemente salir ahí y decir lo que te apetezca, sino que todo esto tiene una razón de ser.

P: Vamos, que se aprovecha la relevancia pública para sacar ciertos temas.
R: Sí, porque si no, hay cosas de las que nunca se sabe. Hay cosas de las que nunca nadie quiere hablar o directamente que no son noticia. Porque hoy en día bueno… parece que es más noticia cualquier chuminada que se pone por las tardes a las cinco y que habla la ex – esposa de un torero… y que de determinados sectores realmente desfavorecidos de la sociedad no se sepa jamás que están ahí. O determinadas cosas que ocurren pero que de repente pasan por los medios de información y no les interesan… ya al margen de los intereses políticos, económicos y todo esto, que ya entras en un entramado en el que ya no sabes cual es el culpable. Con lo cual, a veces es mejor no planteárselo o decir que todos son culpables y ya está.

P: Ya para terminar, viene de participar hace poco en el Festival “Vigo Unha e dez” ofreciendo a los jóvenes sus experiencias y conocimientos acerca del cine… ¿cómo ha sido la experiencia?
R: Bueno, breve también. Lo que pasa es que fue muy divertida porque fui con mis compañeros de cuando empecé a hacer cine: Antonio Pereira, Jorge Coira y Piti Sanz. Nosotros empezamos juntos en Lugo a hacer cortometrajes y durante muchos años hemos seguido ahí… y ahora hemos tenido, además, la suerte de volver a coincidir todos en una película. Ya solamente por eso es muy bonito. Lo de que nos hayamos juntado y hablar. Y luego que tenía un poco el sentido de que íbamos a hablar con chavales que están un poco en la situación en la que estábamos nosotros cuando estábamos en el instituto.

P: Se ve un poco reflejado ¿no?
R: Claro, están tipos ahí organizándose sus cortos entre ellos. Un poco buscando su lugar. Algunos pues quieren ser actores, otros querían ser directores… prácticamente el mismo esquema que teníamos nosotros en el instituto. Y yo, joder, espero que alguno de los que estaban en Vigo, pues dentro de quince años que estemos ahí.

Fotos: Eva Garrido

The Final Destination (2009)

2009-10-28T18:10:00.017+01:00

Cuando uno entra a ver Destino Final 4 no puede evitar soltar una pequeña risotada al pensar que tan final no debe ser ese destino si ya vamos por la cuarta entrega.

Si analizáramos la cuarta parte de las siguientes sagas: Pesadilla en Elm Street, Viernes 13 y Muñeco diabólico (La novia de Chucky), no sólo obtendríamos docenas de patrones afines, sino que estaríamos desandando el camino que sin duda los guionistas han efectuado para realizar esta obra, manufacturada con la misma diligencia que la última oferta del burger king.

La formula es sencilla: se cogen los mismos esquemas del original, en este caso empezar como una "disaster movie" para luego pasar a un "body count" (subgénero de terror en el que cada uno de los miembros del reparto, apuntador incluido, van muriendo de la más asombrosas de las formas) y repetirlo, sólo que con un ritmo más precipitado y vertiginoso que el del la ya obsoleta primera parte. Luego se despoja a la historia de toda seriedad: el prólogo está más cercano a una obra de Tex Avery y a los Looney Tunes que a una película de terror, con unas muertes exageradas y caricaturecas que harían las delicias para los fans de Rasca y Pica. De hecho, si se cogiera alguna de las escenas de las muertes y se modificara su banda sonora por una más optimista, la escena funcionaría a la perfección dentro de una comedia. Finalmente, como último paso a la receta, se añaden a los diálogos un montón de comentarios autorreferenciales para que los fans sean arrastrados al delirante juego sin que se hagan demasiadas preguntas. Escenas como la de la mujer echando una regañina a sus hijos y diciendo “no os voy a quitar ojo de encima” para que justo después una piedra se le clave en el ojo son un ejemplo de esto. Como nota curiosa: los títulos de créditos recuerdan peligrosamente a los de la tercera parte de Viernes 13 (también estrenada en 3D allá por 1984), no tanto desde el punto de vista visual sino por coger el tema musical principal de la saga y modernizarlo bajo un estilo "tecnopunk". Cosa que ocurre en este film. Dos sagas con almas gemelas.

Paradójicamente la mayor virtud de esta entrega, o al menos así es como nos lo han vendido sus productores, es en realidad su mayor defecto. La dichosa tecnología 3D.

Si la credibilidad de la propuesta ya venía resentida por la repetición de los mismos patrones en el pobre guión, el 3D acentúa esto. Hasta que James Cameron diga lo contrario con su Avatar, el que salten elementos de la pantalla (de forma aleatoria casi siempre) o que los personajes o determinados objetos sobresalgan del entorno, provocan dos cosas en el espectador: primera, que uno sea plenamente consciente de que lo que se está viendo es irreal, y segunda, sentirse en todo momento dentro de una sala de cine viendo una mareante película. Dos sensaciones que perjudican seriamente al pacto de verosimilitud entre el creador y el espectador. Cabe destacar, no obstante, un detalle en 3D que a un servidor si logró introducirlo de lleno en una escena. Se trata de la muerte en la piscina, inspirada con toda seguridad en el relato de Chuck Palahniuk de su libro Fantasmas, donde una de las victimas queda atrapada en el tubo de absorción del fondo de la piscina. Es ahí donde de repente y por detrás del espectador (no delante, como es habitual en el 3D) aparece una tirita flotando. Toda una imagen universal (y genial por incluirla en la peli) para quien haya buceado alguna vez en una piscina pública.

Exceptuando esto, el suspense de las escenas de tensión queda mermado por una lógica de planos dedicada al lucimiento del 3D. La pretensión de ganar espectacularidad en detrimiento de la tensión convierte a Destino Final 4 en la peor entrega de la serie.

Para más INRI, y por si lo del 3D no nos hubiera quedado claro, el climax final del film tiene lugar en una sala de cine donde casualmente se proyecta una película con esta tecnología (¿a qué es una sorpresa?). Toda una lamentable autopromoción hollywoodiense.

Tras esto, la conclusión resultante que puede sacar este espectador curtido en los derroteros terroríficos no podría ser más paradójica: en una película llena de cortes y sangre, lo mejor es, sin duda, la tirita.

Moon (2009)

2009-10-22T15:45:00.007+02:00

Moon es la ópera prima de Duncan Jones, más conocido por ser el hijo de David Bowie, y cuya carrera hasta el momento ha estado ligada al mundo de la publicidad y de los vídeos musicales.

La película nos traslada a un futuro no muy lejano en el que ya no hay problemas energéticos gracias al helio 3, una materia prima de la que nos abastece la Luna y cuya extracción es llevada a cabo por una poderosa multinacional que aboga por el ecologismo.

Aquí es donde nos encontramos con el protagonista de la trama, Sam Bell (Sam Rockwell), un operario, más bien el único operario, que trabaja en la base lunar. Lleva casi tres años allí solamente acompañado de una computadora que responde al nombre de Gerty (Kevin Spacey). A un par de semanas de volver a la Tierra empieza a tener extrañas alucinaciones. Hasta que un día, mientras explora la superficie, hace un descubrimiento que lo cambiará todo.

La propuesta de Moon como película no deja de ser un sentido homenaje a los grandes clásicos de la sci-fi de los 70 y 80. En este sentido es muy referencial (a veces excesivamente explícitas) y recoge gran parte de su esencia para nutrirse. Hablamos de cintas como Atmósfera Cero, 2001 de Kubrick, Solaris e, incluso, Alien.

No hablamos sólo de la estética y la puesta en escena, sino de los temas que aborda y la forma en que lo hace, algo que ya se refleja en el uso de efectos más artesanales y un cierto aspecto “retro” de las naves y vehículos (que nos vuelve a rememorar lo visto en films como Naves Misteriosas).

Duncan Jones se desliga de las propuestas que han aparecido en los últimos años, en las que prima por encima de todo el crear un producto visualmente deslumbrante, donde los efectos visuales tienen demasiado protagonismo. Lo que hace el director británico es retomar la idea originaria de esa sci-fi más intelectual: recrear espacios futuristas y utópicos como contexto para adentrarse en la psicología humana y abordar cuestiones éticas, morales y sobre la condición humana.

Ya centrándonos en aspectos más concretos del filme, cabe destacar el trabajo interpretativo de Sam Rockwell (Los impostores de Ridley Scott o Confesiones de una mente peligrosa de George Clooney), ya que el peso del mismo recae básicamente en él. Es el único personaje real de la película, aunque le acompaña la voz de Kevin Spacey y Dominique McElligott (en el papel de su esposa) a través de vídeos que recibe de la Tierra. Sam Rockwell consigue con su personaje trasladarnos la sensación de soledad y de pérdida que le acompaña durante toda la cinta.

Moon se trata de una película que a quien no esté habituado al género puede resultarte de lo más curiosa, aunque también puede hacérsele un poco densa por el contenido más o menos filosófico de la misma. Y en cuanto a los curtidos en el género, el problema y parte del encanto estará en que recupera la tradición de esa ciencia ficción más íntima y humana.

Inglorious Basterds (2009)

2009-09-18T12:00:00.006+02:00

Érase una vez en la Francia ocupada… Con esta frase que podemos leer al comienzo del film ya nos hacemos una idea de lo que no nos vamos a encontrar. Tarantino no ha realizado una cinta sobre la 2ª Guerra Mundial, ni una bélica, ni siquiera es fiel a la historia; a partir de decenas de referencias, homenajes y un conocimiento único del séptimo arte, el director norteamericano nos ofrece un relato de venganzas en el que plasma todas sus obsesiones.

La guerra no es más que un contexto. Malditos Bastardos se sitúa en medio de unas calles de París infestadas de nazis, como podría haberlo hecho en la Rusia zarista o en la Roma imperial. Los nazis no son nazis, son malos de película. Toda la cinta es un continuo homenaje al cine (y ya no sólo desde un punto de vista técnico): desde el uso del tempo del spaghetti western (algo a lo que ya ha recurrido en alguna ocasión) a situar parte de la acción en una sala de proyecciones o que uno de los protagonistas se pase de héroe de guerra a actor de cine.

El talento de Quentin Tarantino no tiene parangón. Usando un tempo lento y muy particular, crea escenas de auténtica tensión. Las secuencias de la taberna, el encuentro del coronel Landa con Shosanna (Mélanie Laurent) en la cafetería de París o el que tiene con Diane Kruger casi al final de la película causan una profunda angustia y obligan a mantenerse en las butacas a pesar de su (a priori) excesiva duración. Ya la secuencia inicial en la granja da buena fe de esa sensación de intranquilidad con la que brinda al público.

Lo de Tarantino es un cine íntimo y salvaje, que ronda siempre bajo una misma marca, pero aportando una nueva vuelta de tuerca con cada película. La indiferencia no tiene cabida en su filmografía, y Malditos Bastardos no deja indiferente.

Malditos Bastardos recoge la esencia de la filmografía de Tarantino, está dividida en capítulos o pequeñas historias que llevan a un último punto; todas ellas con su inicio, nudo y desenlace como si en sí mismas fueran pequeñas historias. La clave para entender el cine de Quentin Tarantino está en que intenta llevar el libro al cine. No me refiero a hacer una adaptación más o menos fiel como Millenium o la saga de Crepúsculo. Él lo que intenta es trasladar el lenguaje del libro a imágenes.

Un libro no está estructurado de forma cuadriculada, la historia va avanzado y deteniéndose según como le indique el hilo que lleve; componiéndose de capítulos de distinta profundidad y duración, hay algunos más extensos que otros. Esa es la idea que recoge Tarantino, que escribe sus guiones como si fueran novelas. De ahí que, la presentación de personajes mediante rótulos, que dentro de los esquemas tradicionales de Hollywood no está bien visto, aquí cobra todo el sentido. Otra de las cosas que siempre se le han criticado es el ofrecer “flashbacks” o escenas con información irrelevante según la concepción cinematográfica, pero que en realidad no lo es, ya que ofrece detalles sobre sus personajes tal como hace una novela al detener la acción para hacernos alguna descripción.

Si en sus anteriores películas los personajes y sus diálogos eran la fuerza que movía el conjunto de la obra, en Malditos Bastardos cobran aún más importancia. Ya no sólo por lo que se dice o no se dice, los distintos acentos e idiomas dan un mayor abanico de matices al film. Hasta cuatro lenguas llegan a emplear los protagonistas para relacionarse entre ellos. Incluso los acentos son relevantes, pues hay personajes que se delatan por éste y escuchar como el teniente Aldo Raine pronuncia su particular italiano no tiene desperdicio. Esta variedad lingüística que se presume como uno de los puntos fuertes, presumiblemente decaiga y pierda sentido con la versión doblada al castellano. Una pena.

Hablando de lenguas, Christoph Waltz (el Coronel Landa) pasa de una a otra como si tal cosa. Su personaje se eleva por encima de todos convirtiéndose en el dueño de la cinta cada vez que aparece en pantalla. Con cada gesto y cada palabra deja notar su presencia.

La aparición en escena del coronel Landa ya provoca un mal cuerpo en el espectador, ya que no se trata del típico oficial nazi al que estamos acostumbrados a ver: déspota y agresivo; sino que mantiene una actitud muy educada y formas corteses, juega mucho con la ironía y desborda sentido del humor. El público lo ve venir, sabe que todo lo que hace y dice Landa va con una intención muy clara, está siempre un paso por delante de sus interlocutores, lo que aumenta la tensión del momento.

Por el contrario, los bastardos resultan de lo más flojo de la película. Están muy desdibujados. Eli Roth debe su participación por ser amigo del director. Porque realmente su personaje es completamente prescindible; y Brad Pitt da la impresión de que cumple un papel de reclamo publicitario, pues su personaje es plano y está desaprovechado. Hay una descompensación entre los dos bandos: los nazis aportan más emoción y complejidad interpretativa, al tiempo que los bastardos van de un rollo más superficial.

En cuanto a las “chicas Tarantino” (que no pueden faltar), la bellísima Diane Kruger es la elegida para ofrecernos el deleite fetichista que no falta en ninguna de las películas del director americano, mientras que la francesa Mélanie Laurent, en una gran interpretación, hace las veces de judía que se esconde de los alemanes.

Como aspecto más reprochable (aparte de los bastardos en sí) está el hecho de recurrir a técnicas y lenguajes ya usados anteriormente en sus películas, como la escena en la que se muestra la crueldad de los bastardos, rodada como si fuera un spaghetti western. No logra aportar nada nuevo. Además, tira de la misma música de Enio Morricone que utilizó en Kill Bill. Aquí lo cierto es que Tarantino habló con el compositor para escribir la música de Malditos Bastardos, pero al no llegar a tiempo, se decidió por repetir composición.

He's Just Not That Into You (2009)

2009-09-08T22:04:00.013+02:00

Si lo que buscas es pasar un rato de total intrascendencia que roce el aburrimiento, Qué les pasa a los hombres es tu película. Empapándose de convencionalismos y clichés, el film ofrece una imagen de la mujer – en un intento de hacer una comedia – con unos valores muy anticuados y machistas, de mujeres cuya única ambición en la vida es cazar un buen hombre con el que casarse y formar una familia.

El director Ken Kwapis presenta varias historias acerca de las relaciones entre hombres y mujeres que pretenden abordar la mayor parte de las posibilidades que se dan, pero realmente lo que tienen en común todas ellas es su falta de interés, son historias vacías y carentes de fuerza.

La película cuenta con muchas caras bonitas y algunos actores con más nombre que talento para llamar la atención, pero el estar tan estereotipada, con unos personajes muy planos y un humor que se queda en las intenciones, la cinta pierde su gancho mucho antes de cumplirse las dos – largas – horas que dura. Las interpretaciones, discretas ellas, no dan mucha opción a entrar en valoraciones. El ejemplo lo tenemos en Ben Affleck, que lejos de actuaciones como las de La sombra del poder o Hollywoodland, nos ofrece el mismo registro que tanto se le ha criticado en cintas como Pearl Harbor: mucha pose y poca alma en el personaje. Más de lo mismo se puede decir del resto.

La señorita Scarlett Johansson, para alegría de muchos, está para mostrar sus atributos, pero poco más… y francamente, por lo que cuesta una entrada de cine hoy día, es de recibo ofrecer algo más. No todo podía ser negativo.

La trama protagonizada por Ginnifer Goodwin y Justin Long es la que, con menos pretensiones, logra esbozar más de una sonrisa en el espectador. Y cómo no... Jennifer Connelly. Los años le están sentando como a nadie a la neoyorkina en todos los aspectos.

Con un atractivo que lo inunda todo a su alrededor y una mayor verdad en sus ojos, se cree sus personajes transmitiéndolo a traves de la pantalla. Lástima que lo demás no la acompañe como se merece.

G.I. Joe: The Rise of Cobra (2009)

2009-08-10T10:44:00.007+02:00

Cuando parece que en Hollywood apenas quedan ideas interesantes para rodar nos llega G.I. Joe, basada en la línea de muñecos de Hasbro para reafirmar nuestras sospechas.

Los G.I. Joes son unas fuerzas especiales a nivel internacional con la misión de velar por la paz y combatir a organizaciones terroristas, especialmente a COBRA, cuyo único fin es dominar el mundo. Entre medias tenemos a traficantes de armas, el típico amorío entre los protagonistas y secretos sin desvelar.

La historia no aporta nada nuevo ni original, por lo que el film se refugia en los efectos visuales para intentar darle un valor añadido que atraiga al público. Y he aquí el problema del que padecen muchas películas – entre las que podemos incluir a G.I. Joe – que no es otro que esconder los defectos y limitaciones de un mal guión en un envoltorio saturado de efectos. Ya no solo eso, sino que muchas veces lo que se hace es poner la historia al servicio de dichos efectos, cuando tendría que ser justamente lo contrario: usar las nuevas tecnologías como instrumentos al servicio de una buena historia.

Por tanto, nos encontramos en G.I. Joe con una película que busca romper taquillas mediante un despliegue desmesurado de efectos, que encima cantan bastante. Marginando un guión, ya de por sí, algo pobre, por momentos demasiado inverosímil y poco acertado. Por poner un ejemplo de esto último, en pleno auge de la concienciación ecológica, la cinta nos traslada hasta el mismo Ártico para continuar con la vorágine de batallas y destrucción.

El plantel protagonista, además, tiene que lidiar con unos personajes planos y estereotipados: héroes de acción y malos malísimos. Caras conocidas como Dennis Quaid o Adewale Akinnuoye-Agbaje (el Sr. Eko de Lost) para darle un mayor gancho a la cinta.

Por otro lado tenemos a jóvenes estrellas como Channing Tatum (Duke, el bueno de la peli), quien parece tomarse demasiado en serio su papel en una cinta que no puede tomarse así. Quien sí se la toman como lo que es, un divertimento, es Marlon Wayans (conocido por la saga de Scary Movie) que es el que aporta el punto más cómico y desenfadado del film; así como Brendan Fraser, cuya aparición sólo se explicaría por su relación con Sommers.

Sienna Millar es, quizás, quien le saca un mayor jugo a su personaje. La actriz neoyorkina se toma un impasse en su cometido de nueva musa del cine indie americano para meterse en la piel de la Baronesa. Dentro de lo que cabe el suyo es el personaje que presenta una mayor complejidad.

Además, verla con un look de morena y luciendo tipo ceñida en un traje de cuero es todo un regalo para la vista.

Con G.I. Joe estamos pues, ante el típico Blockbuster veraniego atiborrado de postproducción, con unos actores que se pasan más tiempo exhibiéndose que otra cosa, y una historia que se olvida nada más acabar el visionado.

A pesar de esto, G.I. Joe sabe mantener durante parte del metraje (hasta que la dirección que sigue la hace descarrilar) la emoción y entrenenimiento, gracias a la labor de su director, Stephen Sommers, quien conoce algunos de los ingredientes para colarnos un Blockbuster entre nuestras preferencias como ya hiciera con The Mummy y su secuela.

Sí además de ofrecernos aventuras para desconectar, nos las presenta acompañado de actores conocidos y presumiblemente con talento… es probable que logre engañarnos para ir a las salas.

Entrevista: Aitana Sánchez-Gijón

2009-08-02T11:27:00.011+02:00

Con la llegada del verano nos ha dado por innovar y diversificar contenidos. Sin embargo, las ideas han brillado por su ausencia y no hemos hecho otra cosa más que hablar, hablar y hablar... llegando a la conclusión de que lo mejor era publicar entrevistas a personajes relevantes.

Y para nuestra primera vez y no estropearlo todo con el nerviosismo propio de un novato inexperto, nada mejor que una mujer atractiva, culta y experimentada, lo cual nos asegura éxito y placer.

La dama en cuestión es Aitana Sánchez-Gijón, como os habréis percatado por el título de la entrada. La entrvista que mostramos a continuación fue publicada por uno de nuestros colaboradores en La Huella Digital:

Aitana Sánchez-Gijón es de esas mujeres que embriaga con una sola mirada o una sonrisa. De ello se dio cuenta Silvio Muccino quien vio en Aitana a la musa con la que debutar en la dirección en una obra muy personal: escribió la novela, adaptó el guión y ha dirigido y protagonizado “Háblame de amor”. Aitana, tan risueña ella, con esa sencillez y cercanía que la caracteriza nos habla acerca de la película y su trabajo.

Pregunta: ¿Cómo has vivido la experiencia de rodar en Italia?
Respuesta: Pues la he vivido de una manera muy gozosa. Yo había rodado una película con Gabriele Salvatores que se llamaba “No tengo miedo”, hace ya varios años, que hacia de una “mamma” italiana del sur… pero digamos que ésta es la primera película que ruedo de protagonista íntegramente en Roma. Es mi ciudad, nací allí, entonces… sentada en mi ciudad y que la cuidad estaba a mis pies (risas) que cortaban las calles para nosotros, que cortaban plaza de España con esa escalinata maravillosa y yo sentada ahí con Geraldine Chaplin, rodando en cualquiera de los rincones maravillosos que tiene Roma… ha sido un regalo.

P: ¿Cómo surge el proyecto?
R: El proyecto surgió a través de los productores. Realmente a mí me propusieron los productores italianos con los que ya había hecho “No tengo miedo”. Ellos le hablaron a Silvio Muccino de mí, porque el personaje tenía que ser extranjera. De hecho es francesa, podría haber sido una actriz francesa… pero bueno, le hablaron de mí, le dijeron que yo hablaba un italiano muy bueno y que además hablaba también francés y tal… Silvio había visto alguno de mis trabajos, fui a conocerle a Roma y enseguida se produjo la conexión y la química entre los dos.

P: Y qué nos puedes decir de Silvio Muccino
R: Él es uno de los actores jóvenes mas conocidos de Italia. Es imposible salir a la calle con él porque se lo comen crudo, es una estrella. Ver a alguien tan joven que tiene esa capacidad (que además ya había escrito otros guiones) que escribe, protagoniza y dirige su primera película, y lo hace con esa seguridad… realmente no parece una primera película, parece de alguien mucho más experimentado… pero al mismo tiempo él es un ser muy luminoso, afable y cercano y logra que te subas a su mundo sin imponerte nada. Fue una experiencia gozosa, aunque también es tan exigente que me llegó a poner en algunos momentos como en crisis, como cuestionarme el no entender muy bien por donde tenía que ir… pocas veces me he encontrado con un director tan exigente como este jovenzuelo (risas).

P: Se dice en la película “el amor es suficiente para ser feliz”
R: El amor basta, o sea, son importantísimas otras muchas cosas, pero realmente sin eso no hay posibilidad de ser feliz. Sin el amor pero el amor entendido de una forma global, no solo el amor de pareja, sino el amor hacia uno mismo, hacia la gente que te rodea, el amor de pareja por supuesto también.

P: En cuanto a las clases de amor que tenían los dos personajes, es curioso porque los dos enseñan el uno al otro y al final… ¿es importante darse cuenta de las cosas aunque sea tarde?
R: Yo creo que sí, nunca es tarde, uno puede vivir aletargado como le pasa a Nicole que lleva muchos años como en hibernación con una vida gris, protegida del dolor, convencional, con una pareja que la protege, que la cuida en cierto modo. Pero no hay realmente un amor, no hay una conexión, no hay dos almas que estén ahí vibrando juntas, no hay colores en su vida. Y lleva así muchos años, arrastrando un dolor que no ha podido superar… y solamente cuando uno realmente es capaz de dejarse atravesar por el dolor y no intentar evitarlo es cuando puede volver a la vida. Eso es lo que le pasa a Nicole. Ha pasado mucho tiempo pero no es tarde en absoluto.

P: Después de las clases de seducción, de conquista y hablar de amor… se ve que al final el amor es cosa de tu y yo, es cosa de dos. R: Exactamente, es eso. Esta frase que es tan provocativa que dice: “No existe ninguna mujer que no pueda ser conquistada”. ¡Toma ya! Vamos, aunque ella no quiera. Es como que si tú te impones y despliegas todo el manual del seductor la vas a tener en el saco. Eso es una tontería. Y eso es algo que se vuelve contra la propia Nicole. Es la que pontifica y es capaz de decir una cosa así y acaba sorprendida ella misma por el amor que hace lo que le da la gana… y es cierto… es una cosa de dos, de dos voluntades que se encuentran y de una chispa que se enciende y ya está.

P: ¿Cómo se conquista a Aitana? R: ¡Uy!, yo que sé. Yo no tengo el manual tampoco.

P: Hablas del amor que triunfa, el tuyo y el del chico, pero Sasha también tiene mucho amor por Fabricio, por su primo, por Ricardo… ¿y por Benedetta? R: Sí, por ella también. Era una fijación de infancia, unos momentos compartidos… y era amor. Seguramente lo era. Para ella también. Ella es un ser muy herido, un personaje muy dañado por la vida. Lo que pasa es que es un amor desde lo insano, desde el sufrimiento, desde las heridas. Es un amor de dependencia, de posesión a través del dolor.

P: En cambio, en la relación que hay entre Lorenzo y tú personaje no se ve realmente amor, sino que Nicole está acomodada, se ha dejado llevar. R: Exactamente. Ella sigue aferrada a esas diapositivas que ve en sus noches de insomnio; colgada de ese amor que fue realmente su verdadero amor y cargando una culpa que no le corresponde… y digamos que arrastrando ese dolor se encontró con este hombre y se dejó querer y cuidar. En la novela la historia de ellos dos está muy presente y está muy desarrollada. En la película, evidentemente no puede estar todo, y ahí sale perdiendo está historia. Pero bueno, se vislumbra que es una historia que está basada un poco en la comodidad, en la costumbre, en la seguridad que te da tener a un hombre que digamos que vela por ti un poco y que te evita… es también una cobardía, por otro lado, por parte de Nicole… te evita tener que tomar decisiones y arriesgarte… también a sufrir, pero también a gozar de la vida, a tener la chispa.

P: En este sentido, tanto Sasha como Nicole, son un poco cobardes ¿no? R: Son cobardes y valientes, porque luego al final dan el salto. Todos somos cobardes y valientes al mismo tiempo. Depende del momento de la vida en que nos pille y Nicole, bueno, pues llevaba todos esos años aletargada y metida en esa cobardía y de repente… ¡paf! Llega ese chaval insolente y respondón que la provoca constantemente y la descoloca. Eso es lo que más me gusta de la relación entre ellos. Ella se coloca en el lugar de la mujer madura con experiencia, psicóloga que sabe mucho de la vida y de las emociones y tal, y quien recibe las lecciones más grandes quizá sea ella

P: Hasta que punto ella empieza a dar esas clases de seducción queriendo enseñar o queriendo ser enseñada R: Es inmediato… en la primera conversación que tienen juntos por ese puente, él le esta desvelando ya cosas de ella misma. Le va desmontando el personaje que ella misma se ha creado. Este tipo de cosas a Nicole la irritan por un lado, pero claro, le gustan porque la están moviendo, la están devolviendo a la vida, a cuestionarse también.

P: ¿Te ha sido difícil adaptarse a ese papel? R: No me ha resultado nada difícil. Personalmente no me encuentro en la misma situación que Nicole – afortunadamente – pero sí he tenido momentos en mi vida en los que me he sentido a lo mejor huyendo de ciertas cosas, intentando protegerme de que no me duelan otras, en mi cascarón o un poco más cobarde… y ¡Paf! Hay algo que te enciende la chispa y que te devuelve a la vida. Puede ser un amor o puede ser simplemente volver a confiar en ti mismo o una voz amiga que te sacude o, en fin, alguien que te pone frente al espejo. Puede ser por circunstancias muy diferentes pero conozco esas sensaciones.

P: ¿Hay que irse fuera para encontrar papeles que traten a la mujer madura y sus problemas? R: Yo creo que no. Es, no sé si casual, pero ahora se va a estrenar, dentro de poquito, otra película que también trata la historia de una mujer de mi edad que pasa por una situación muy dramática, una relación de pareja conflictiva. Es una historia basada en un texto de Ibsen que dirige un director catalán que es Ferran Audí, “The Frost”. Me da otro bombón de personaje, uno de esos personajes que son de una profundidad y de una cantidad de capas que ha sido un regalo. Y fíjate, pues es un director español que se le ocurre, nada más y nada menos, que irse a rodar una historia de Ibsen a Noruega. Aquí también pasan cosas interesantes.

P: ¿Cómo eliges tus trabajos? R: Es sobre todo una cuestión de tripas. En el teatro lo tengo muy claro porque me entra una urgencia, o sea, cuando yo leo un texto que me apasiona y que se que tengo que hacer es como que esa noche no duermo, me entra una ansiedad de hacerlo ya, ahora mismo. Me ha pasado con “Un dios salvaje”, me pasó con “Las criadas”… me ha pasado con todos los textos de teatro que he hecho. Con el cine dependes de más factores. Hay un punto visceral y de enganche con la historia y con el personaje que me tienen que emocionar, que remover… pero también influyen factores como cuanto tiempo voy a estar alejada de mi familia, si me los voy a poder llevar a Noruega… ya entra la cuestión más de intendencia familiar (risas).

P: ¿Qué proyectos tienes próximamente? R: Hemos parado “Un dios salvaje” un mes, retomamos en agosto. Seguimos la gira, estaremos en Torrelavega, en Avilés, en Bilbao, en Mallorca, en Marbella, en no sé que sitios más, y a finales de septiembre volvemos a Madrid. Estaremos por lo menos hasta finales de noviembre… nos cuesta mucho poner punto y final, estamos siempre retrasando, le hemos puesto ya como cuatro finales a la función y no podemos porque está siendo una experiencia que ha superado todas las expectativas de disfrute y de conexión con el público y de todo. Ese sigue siendo mi proyecto a medio plazo y luego ya veremos.

P: ¿Cuál crees que es la diferencia entre el cine español y el cine italiano? R: Curiosamente es algo que no se sabe mucho aquí, pero el cine italiano tiene una cuota de pantalla de casi el 40%. La gente en Italia va a ver cine italiano mucho mas de lo que aquí va nuestro público a ver nuestras películas. O por lo menos a las salas, porque luego nuestras películas se ven en otros soportes, afortunadamente. Ellos tienen un sentido un poco más instalado de industria… han pasado también unos años muy malos… pero de repente tienen películas muy comerciales y un cine más de denuncia. Tienen un cine muy variado pero que crea industria. Y no sé cual es la formula realmente, pero a ellos les está funcionando.

P: ¿Cuesta más trabajar con un director novel por, digamos, la presión de que salga bien su primera película? R: Depende mucho de cómo sea el director. Con Silvio yo no tenía la impresión de que fuera una primera película, parece que llevaba diez películas. Tenía una seguridad insultante (risas) en sí mismo. Y al mismo tiempo nada arrogante. Depende… yo me he encontrado con directores noveles que disfrazaban su inseguridad con una rigidez, en la que había poco espacio para aportar cosas y directores muy experimentados, también profundamente inseguros, y delegando muchas tareas en los equipos; que de repente dices: cómo es posible que esta persona lleve tantas películas cuándo en realidad a ti te deja un poco solo, el otro le hace… en fin… te encuentras de todo.

P: Bueno, y para terminar… ¿Lo mejor de Roma? R: Lo mejor de Roma, Roma (risas). Lo mejor de roma es que estás como paseando por un decorado… todo te parece mentira y al mismo tiempo está tan lleno de vida… lo peor es el turismo exagerado y el caos romano. Pero lo mejor es la belleza de cada rincón.

Pagafantas (2009)

2009-07-06T16:16:00.013+02:00

A pesar de que la cosecha de cine español este año no ha sido muy buena en cuanto a términos de calidad se refiere, sí que dos de nuestras películas han ocupado los puestos de privilegio dentro de la taquilla, reportando ingentes cantidades de dinero a nuestra “industria”. Éstas han sido la excesiva y ridícula Mentiras y gordas (Albacete y Menkes) y la graciosa pero fallida Fuga de cerebros (Fernando González Molina). El film que hoy nos ocupa, Pagafantas, viene a erigirse como el caballo de Troya dentro de la parrilla cinematográfica, intentando hacerse hueco entre las producciones americanas que pueblan los cines durante el periodo veraniego. Para hacerles frente y aunque que resulte curioso, Borja Cobeaga, el director de la cinta apuesta por adoptar la fórmula americana propia de la comedia teen, donde como viene sucediéndose en los últimos años, los loser son los absolutos protagonistas.

Para empezar y con la intención de que todos podamos entender esta obra, lo más conveniente sería definir de la forma más certera posible el término pagafantas. Pese a que este concepto no ha sido todavía recogido en el diccionario de la Real Academia de la Lengua, su definición sería algo así: dícese de aquel individuo que hace todo lo posible por conquistar a la chica que le gusta, pero de la que únicamente consigue la siguiente respuesta: “Te quiero, pero sólo como amigo”. Partiendo de esta premisa Cobeaga articula su particular opera prima, que hasta la fecha viene avalada por el éxito de público y crítica en el Festival de Cine de Málaga.
Una de las afirmaciones que se pueden hacer de este film es que se trata de una obra basada en hechos reales, ya que cualquier hombre que acuda a verla se verá identificado en alguno de los relatos plasmados en la película y para los cuales el director recurre a una fórmula cuanto menos novedosa en nuestro país, el documental, gracias al cual expone a la audiencia conceptos tan interesantes y a la vez tan desternillantes como “la cobra”, “el lemur”, incluso el propio “pagafantas”. Precisamente es con esta apuesta con la que el realizador consigue los momentos más divertidos del conjunto, puesto que el resto de pasajes no dejan de ser un pastiche de situaciones absurdas ya vista en la comedia USA de todos los tiempos y que provocan que la película no cuaje del todo dejando una sensación agridulce en el espectador.

Si bien la película no pasará a los anales de la historia como la comedia española de todos los tiempos, sí que ésta consigue mantenerse gracias a la gran labor de su actor protagonista, Gorka Otxoa, ese interprete desconocido para todos hasta hace unos año, pero que desde su incursión en la serie televisiva Cuestión de sexo, no ha hecho más que trabajar y sacar más de una sonrisa al gran público. Gorka en este caso Chema, es el gran protagonista del film y el que ostenta bajo sus espaldas el título nobiliario de pagafantas, al cual sus dotes interpretativas y su particular físico dan lugar a un perdedor muy de nuestros tiempos, cercano a la audiencia y con el que ésta se verá identificado, consiguiendo que la película transcurra hasta su término sin la necesidad de mirar el reloj o dar un bostezo durante su proyección.
Pagafantas se presenta en la cartelera como un producto veraniego más, destinado a las grandes masas que quieran pasar un buen rato. Sin embargo, como viene sucediéndose con la gran mayoría de films aparecidos en nuestro país, pese al intento digno del director de hacer un producto que haga frente a los blockbuster americanos, estos siguen cayendo en los mismos errores (autocompasión, victimismo, pedantería, copia, etc.). Así que perdónenme si les ofendo, pero yo me sigo quedando con los supersalidos y los transformers de turno, porque por lo menos desde un principio sé cuáles son sus intenciones y no intentan dármelas con queso.

Knowing (2008)

2009-05-25T15:01:00.006+02:00

Alex Proyas vuelve por los fueros de la ciencia-ficción en esta superproducción apocalíptica muy acorde con los tiempos inciertos en los que parecemos encontrarnos. Señales del futuro recupera la función atemorizante de la ciencia-ficción más clásica y se presenta como un toque de atención a nuestra conducta respecto al planeta y el entorno que nos rodea.

La película nos lleva a 1959 donde los alumnos de una escuela enterraron una cápsula del tiempo con lo que ellos pensaban que sería el futuro. De ahí nos traslada a 2009 para descubrir que entre esas fantasías infantiles se encuentra una carta llena de números que esconden terribles profecías sobre el fin del mundo.El director hace gala de su talento para envolvernos en una atmósfera terrorífica y, a veces, desconcertante que lamentablemente, a medida que avanza el metraje, se va apagando sin que nadie pueda hacer nada para evitarlo. Y es que a pesar del realismo con el que logra inquietarnos y de unas secuencias (como la del accidente de avión) que hacen que nos agarremos a las butacas, lo enrevesado y confuso de la historia lo tira todo para atrás.Destellos de filmes como Dark City, numerología y profecías a mansalva, seres que parecen sacados de Hellraiser, algunos visos bíblicos y una sorpresita que otra, aderezados con los dramas familiares que no pueden faltar en los taquillazas de este tipo, así como sus dosis de terror y acción, terminan por conformar un revoltijo demasiado espeso para no sufrir una indigestión. El intento ha sido bueno, pero se ha quedado ahí: visualmente sobrecogedora, pero dramáticamente floja hasta caer en el aburrimiento y la previsibilidad.

Se le quiere dar un peso emocional equivocado y vacío a la relación padre e hijo; demasiado sentimentalismo, que como bien muestra la cara de Nicolas Cage durante toda la cinta, no se cree ni él. Y es que las cosas como son: la cara de miedo, de dolor o de amor profeso hacia su hijo, son sospechosamente muy similares. Aquí no se discute la capacidad interpretativa del actor (sobradamente demostrada con filmes como El ladrón de orquídeas, The Weather Man o Living Las Vegas), sólo que en la película que nos ocupa abusa de sus malos hábitos.

En definitiva, cinta para engordar los bolsillos de la industria del cine y de las palomitas, pero con un mensaje diseminado entre sensiblería vacua y grandes efectos.

Star Trek (2009)

2009-05-08T18:30:00.002+02:00

No sé puede entender la ciencia moderna sin los trabajos de Newton, del mismo modo que no sé puede entender la ciencia-ficción sin Star Trek. Parece de una lógica aplastante, pero lo cierto es que son muchos los que (cinéfilos o no) apenas conocen nada acerca de este fenómeno de la cultura pop (entre ellos, el mismo que suscribe estas líneas). Es por ello, que antes de ver esta nueva película dirigida por J.J. Abrams, quise preguntarle a un conocido (fan confeso de estas aventuras estelares) para que me situara un poco.

Pregunta: ¿De qué va Star Trek?
Respuesta: Trata de la exploración del universo y las formas de vida que hay en él, desde un punto de vista cultural, social y filosófico. No trata de conquista sino de contacto.

P: ¿Qué tiene, que haga que aún hoy dé tanto de que hablar?
R: Plantea unos temas universales que, aún vistos desde un punto fantástico, son ponderables a cualquier época y situación política o social. A veces también trata temas individuales y dilemas morales de una forma muy entretenida y dando formas distintas a cosas que ya se conocían. Aparte de esto, es muy imaginativa, no se repite nunca y tiene altas dosis de aventura.

Ahora bien, para muchos, acercarse a día de hoy a esta saga y revivir las aventuras del capitán Kirk y el iconizado Spock puede resultar de lo más tedioso (y freak, para que negarlo).

Ese es uno de los motivos que ha llevado J.J. Abrams a coger la famosa franquicia y revitalizarla dándole un nuevo enfoque desde el comienzo.

Con esta versión de Star Trek estamos ante eso, ante un renacimiento (al modo de Christopher Nolan con su patricularísimo Batman) que espera captar a los más fieles seguidores de la serie original y, muy especialmente, a los muchos vírgenes espectadores no iniciados en las aventuras de la Flota Estelar.

Y es a ellos, que siempre han sido reacios a adentrarse en este vasto e inexplorado universo, a los que se dirige esta crítica. Pues un servidor, como tantos otros, se pasea por primera vez a través de los pasillos de la Enterprise gracias a J.J. Abrams.

El considerado nuevo gurú de la ciencia-ficción demuestra el porqué de este calificativo en esta superproducción espacial. J.J. Abrams (creador de Perdidos y Fringe) se adentra en el universo de Star Trek para mostrarnos el inicio de la leyenda, su visión de ese comienzo.

Para ello se da el lujo de permitirse ciertas licencias respecto a la historia original, sin que esta pierda su esencia, con un doble fin: hacerla accesible a todos los públicos y que las hordas de trekkies le den su visto bueno a la cinta.

Y la jugada parece haberle salido redonda. Hasta Leonard Nimoy (el inolvidable Spock), a pesar de haber dicho en repetidas ocasiones no volver a enfundarse el uniforme de la Flota Estelar, tiene un papel de vital importancia en el film de Abrams.

Esta nueva entrega de Star Trek narra, como se ha dicho antes, el comienzo de las mil y una aventuras descritas a lo largo de más de 40 años. La trama gira en torno a como surge la amistad entre Kirk y Spock y la primera misión de la Enterprise. Para ello, nada más original que recurrir al tópico (que siempre funciona) de los dos rivales que ven las cosas de forma diametralmente opuestas pero que finalmente han de lograr complementarse. Así, mientras Kirk es llevado por su instinto y es más impulsivo; Spock es un personaje mucho más racional y lógico, que evita dejarse llevar por sus emociones.

Al final, ¡cómo no!, las circunstancias les obligan a tener que entenderse para salvar la situación. El mensaje está claro: con el diálogo es como más se avanza y el futuro se nos presenta optimista y esperanzador.

El director de Mission: Impossible III sabe conjugar como pocos la acción más trepidante con el desarrollo de sus personajes. A base de unos grandes efectos visuales y cámara en mano consigue que nos sintamos dentro de la Enterprise y nos sobrecojamos en las escenas más intensas; al tiempo que capta la complejidad de los protagonistas hasta tal punto, que incluso, llegamos a sentirnos identificados con las motivaciones de Nero (Eric Bana) para poner en peligro a la humanidad.

Nero, el líder romulano que amenaza a la Federación, hace su aparición por primera vez en esta saga y es, sin duda, uno de los personajes más carismáticos del film. Gracias sobre todo a la formidable actuación del australiano Eric Bana, quien destaca por encima del resto del reparto.

En cuanto a los sucesores de William Shatner y Leonard Nimoy como el capitán Kirk y Spock respectivamente, nos encontramos con los ídolos teen Chris Pine y Zachary Quinto conforman una pareja solvente bien escudada por unos secundarios de la talla de Simon Pegg (Zombies Party), Karl Urban (El mito de Bourne) o Anton Yelchin (Alpha Dog). Tenemos pues, una tripulación joven y de la más variopinta procedencia que se apoya en gente consagrada como Bruce Greenwood (el presidente Kennedy en 13 días) y la siempre hermosa y talentosa Winona Ryder con un pequeño pero tierno y cautivador papel.

J.J. Abrams nos deleita con un divertimento puro. Hace de Star Trek un film asequible para todos, espectacular, y que guarda toda la esencia de la saga; pero que al tiempo abre todo un abanico de posibilidades para reinventarla y adaptarla a los nuevos tiempos.

The International (2009)

2009-05-04T21:38:00.008+02:00

Que en esta época de crisis una película como The International venga a engrosar las carteleras cinematográficas no parece una estrategia fruto del azar, sino un plan bien urdido con el propósito de hurgar un poco más en la herida, dejando patente que gran parte de la culpa de esta situación la tienen las entidades bancarias.

Dejando a un lado las consideraciones pseudopolíticas, este film corre a cargo del realizador alemán Tom Tykwer, director virtuoso y actualmente acomodado, que si en su primera película Corre Lola, corre (1998), revolucionó el cine de acción marcando una estética videoclipera apreciable en otros títulos como Lock and Stock; Snatch. Cerdos y diamantes; etc., hace unos años tuvo la valentía de llevar a la pantalla grande una de las novelas clasificadas como inadaptables, El perfume: Historia de un asesino (2006), tarea de la que salió muy bien parado.

Para esta su nueva película, Tykwer deja a un lado su carácter moderno e innovador y configura un thriller conspiranoico al más puro estilo clásico, donde se nos narra la historia del agente de la Interpol Louis Salinger (Clive Owen) y su pareja profesional, la fiscal del distrito de New York Eleanor Whitman (Naomi Watts), que tras la muerte en extrañas condiciones de uno de sus compañeros, lucharán por destapar el enredo que vincula al banco IBCC de Luxemburgo con la compra-venta de armas para conflictos bélicos.

Tomando esto como punto de partida, la pareja protagonista comenzará su particular periplo por Europa con el propósito de desenredar la trama de corrupción, sin embargo, a cada paso que dan la sombra del banco se hace cada vez más alargada.

El creador alemán tomando como referencia las películas de conspiración clásicas de décadas pasadas, configura una obra sofisticada, elegante, adaptada a los nuevos tiempos y con las dosis justas de acción, en la que sobresale la espectacular secuencia del museo Guggenheim de New York, dejando más que patente que el arte tampoco se libra de los corruptos

Para The International Tykwer cuenta con dos pesos pesados de la industria de Hollywood, el rudo galán Clive Owen y la delicada sex symbol Naomi Watts, actores con una carrera muy dilatada en el mundo del cine y que ponen de manifiesto su buen hacer en este film, aportando si cabe una pizca más de sofisticación a la cinta.

Si bien The International no es un thriller redondo, pues su final rebaja la calidad imperante en el relato, Tom Tykwer consigue crear un película completa, que avanza sin reparos hacia su resolución final, envolviendo al espectador y manteniéndolo en la butaca hasta que el film llega a su término, momento en el que todos los asistentes nos planteamos la siguiente pregunta: ¿Qué sabemos de este ente (Bancos) del que todos participamos pero del que tan poco conocemos?. Para descubrir la respuesta o parte de ella sólo existe un camino: acudir al cine.

State of play (2009)

2009-04-17T15:00:00.000+02:00

Un congresista y un periodista se ven envueltos en una trama de conspiraciones en las más altas esferas y unos asesinatos sin aparente relación entre sí. Esta es la premisa con la que parte La sombra del poder, film de Kevin Macdonald basado en la miniserie del mismo nombre producida por la BBC en 2003; teniendo en la corrupción, ambición, traiciones, lealtad… algunos de sus ingredientes para lograr atrapar al espectador en su butaca.

El documentalista y director de la aclamada El último rey de Escocia logra hacer uso de sus mejores armas para hacer de La sombra del poder una cinta hábil y muy realista. Y para lograr una mayor fidelidad hacia la serie original, nada mejor que contar con el guionista de la misma (Paul Abbott) como productor.

La película, por una parte nos muestra los entresijos de la política con sus medias verdades y juegos de manipulación. La ambición de una joven promesa y los conflictos con las grandes empresas. De otra tenemos al mundo del periodismo, que no difiere mucho del juego de la política: conflictos de intereses, lucha de poderes y cierta ambigüedad en cuanto a la forma de ver la verdad.

La sombra del poder retrata muy bien el momento actual de la labor periodística. Estamos en un proceso de cambio en el que parecen contraponerse dos visiones del oficio: la de Cal McAffrey (Russell Crowe), un periodista de los de toda la vida, muy minucioso, y la de Della Fray (Rachel McAdams), la nueva generación que se mueve por la instantaneidad y la información en red, más ágil pero sin tanta profundidad.

Al final, las rencillas entre ambas formas de trabajar se liman y surge una especie de relación mentor – alumna que logra sacar el reportaje adelante.

Y en medio de todo esto aparece la visión empresarial, a la que lo único que le importa es el negocio: vender escándalos y noticias sin importar el rigor periodístico. Aquí situaríamos a Cameron Lynne (Helen Mirren), editora del diario que tiene que lidiar con los deseos de los dueños y lo que realmente es ser un buen periodista.

Para terminar de liarlo todo está la búsqueda de la objetividad, la cual se pone en duda en bastantes ocasiones dado que Cal tiene intereses personales en la investigación: el congresista Stephen Collins (Ben Affleck), es parte implicada de la misma. La amistad que le une con Collins y su esposa dificultará su trabajo en favor de cierto sesgo que beneficie al político.

La sombra del poder busca una estética que nos lleve a la década de los 70, en plena edad dorada del periodismo de investigación, para lo que no se duda en homenajear a base de planos y algún detalle a filmes como Todos los hombres del presidente.

A los actores ya mencionados falta unir a Robin Wright Penn (La princesa prometida, Forrest Gump) como la esposa del congresista Collins, Jeff Daniels (Buenos días y buena suerte) y Jason Baterman (Hancock). Un reparto de lujo que deja el listón bien alto.

Esta historia de investigaciones, escándalos y corrupciones tiene momentos muy sorprendentes, y los 118 minutos de duración apenas se notan. Un gran guión y buena dirección junto a un reparto envidiable conducen la cinta viento en popa hasta llegar al final. Llegados a este punto parece encallar, las buenas vibraciones se quedan ahí, teniendo la sensación de que le falta la guinda al pastel. Lo que no quiere decir que se salga decepcionado – en absoluto – sino algo similar a cuando tras una exquisitez culinaria te quedas con apetito.

Aún así, La sombra del poder es altamente recomendable tanto para pasar un buen rato como para comprender algo más acerca del maltratado oficio periodístico.

Duplicity (2009)

2009-03-25T13:00:00.003+01:00

Clive Owen y Julia Roberts vuelven a compartir pantalla en esta comedia romántica ambientada en el mundo del espionaje empresarial, cinco años después del film que terminó por catapultar a Owen al estrellato hollywoodiense: Closer, de Mike Nichols.
Tony Gilroy vuelve a meterse en el mundo de las multinacionales como ya hiciera antes con Michael Clayton, pero esta vez su crítica coge forma de mordaz comedia muy entretenida.

La clave de Duplicity es el ingenioso guión tan bien llevado a cabo que nos dirige por donde quiere, con tanto engaño y “caminos falsos” que es posible llegar a tener la misma sensación que los protagonistas de la cinta. Con tanto espía y secretos de por medio ya no saben de quien fiarse.

Lo grande del cine y de filmes como este, es el lograr colársela a los espectadores. Tras una fachada de puro entretenimiento con amoríos y acción de por medio, el salir de la sala con una sonrisa en la boca pero a la vez reflexionando sobre lo que nos rodea, no tiene precio. Aquí es donde radica uno de los mayores alicientes de Duplicity. Por un lado tenemos la historia de amor de Owen y Roberts, una relación llena de complicaciones por la forma de vida que llevan ambos. Por el otro, en cambio, nos encontramos con una mirada irónica de nuestra sociedad que nos hace dejar de ser impasibles ante la misma.

Dejando de lado la faceta más profunda por así decirlo del film, Gilroy nos ofrece una cinta muy divertida con momentos realmente inolvidables y que arrancan más de una carcajada gracias a una dirección y montaje muy cuidados.

Duplicity nos va llevando por dos momentos diferentes que se conjugan perfectamente y llevan a un mismo puerto: la lucha actual entre las dos multinacionales y las circunstancias que llevaron a los espías protagonistas a pasarse al sector privado.

Por su parte, el director no podría haber contado con un reparto mejor. El cual, las cosas como son, es el que mueve al público a ver el film, porque (teniendo en cuenta que Tony Gilroy es un buen cineasta pero semidesconocido), con unos actores sin tanto renombre no estaríamos leyendo esta crítica.

La pareja protagonista engancha. Clive Owen y Julia Roberts, a pesar de lo que pueda parecer en un principio (él un tipo duro y ella una delicada señorita), tienen una química magnífica que lo hace todo parecer mucho más natural. Como cualquier otra pareja tienen sus momentos más románticos y cariñosos y por otros sus disputas, con el hándicap de que el desconfiar de todo y todos forma parte de su trabajo.

Junto a ellos, dos titanes: Tom Wilkinson (quien repite con Gilroy tras Michael Clayton) y Paul Giamatti interpretando a los dos magnates rivales.
Si a todo esto le sumamos el estilo glamouroso que destila el cine clásico, tenemos una película redonda. Altamente recomendable.

Blindness (2009)

2009-03-23T18:36:00.017+01:00

Si algo no se le puede negar al realizador brasileño Fernando Meirelles desde su incursión en el mundo del cine allá por el año 2002 es que se trata de un director arriesgado y comprometido. Si en su primera película, la sorprendente y portentosa Ciudad de Dios, trataba un tema tan polémico y controvertido como el universo de las favelas brasileñas, en su segundo film, la muy recomendable El jardinero fiel, no le temblaba el pulso a la hora de llevar a la pantalla grande la obra literaria del mismo nombre, perteneciente a uno de los escritores más prolíficos de la literatura actual, el británico John le Carré y en la cual abordaba de nuevo un tema de corte social como es la pobreza y la miseria del pueblo africano.

En ésta su tercera película, Blindness (A ciegas), Meirelles recurre de nuevo al mundo de las letras para llevar a la pantalla una de las grandes obras de literatura contemporánea, Ensayo sobre la ceguera, escrita por el portugués José Saramago con el que tuvo que mediar no una, ni dos, sino varias veces para que éste le cediera los derechos de la misma con el propósito de llevar a cabo su adaptación. En ella se nos narra la peculiar historia de una civilización sin ubicación espacio-temporal que se ve afectada por un extraño virus que provoca que los individuos pierdan la visión.

La tarea de trasladar esta novela al medio cinematográfico se presenta ya desde sus inicios harto complicada, ya que cuanto menos resulta extraño mostrar mediante imágenes aquello que experimenta y siente un ciego. Sin embargo, Merielles solventa de manera muy eficiente la papeleta recurriendo al propio nombre de la enfermedad, la ceguera blanca, y haciendo uso de una fotografía muy saturada con tonos blanquecinos y continuos fundidos a blanco consigue reflejar la pérdida de visión de los personajes.

Mas allá de este acierto, donde el director pone de manifiestos su gran interés por plasmar fielmente aquello que Saramago relataba brillantemente mediante palabras, la película tal vez cojea en su parte menos compleja, la narración, la cual en ciertos momentos resulta farragosa y pesada llevando a la desconexión del espectador.

Ya desde el comienzo del film, Meirelles deja patente que le importa más la forma que el contenido, y pese a que su premisa resulta cuanto menos interesante (un conductor pierde extrañamente su visión y contagia este mal al resto de la población), a la película le cuesta arrancar. Sin embargo, una vez que el realizador sienta las bases de lo que podemos considerar un particular ejercicio de estilo, el film va ganando fuerza justo en el momento en que se convierte en otra película más de virus y pandemias, con todos los riesgos que esto conlleva. Pese a recurrir a los tópicos del género (violencia extrema, calles vacías de vida, etc.), el director brasileño no sale mal parado de su apuesta brindándonos algunas escenas de gran cine: las mujeres en cuarentena deben satisfacer los deseos sexuales del mexicano Gael García Bernal; Julianne Moore es atacada en el supermercado por una muchedumbre hambrienta.

A ciegas, a medio camino entre la apocalíptica 28 días después (Danny Boyle, 2002) y la poca valorada, pero muy interesante Hijos de los hombres (Alfonso Cuarón, 2006), utiliza la ceguera como excusa perfecta para mostrar los males que aqueja la sociedad actual (incomunicación, individualismo, machismos, violencia, etc.) y donde la única mujer no ciega, una espectacular y solvente Julianne Moore, líder y portavoz del grupo de enfermos, observa perpleja como la falta de visión lleva a que se desate en la humanidad los más bajos instintos, tomando conciencia de ello y dejando una puerta abierta a la esperanza: si nos damos cuenta de nuestro males podremos mejorar.

Tal vez Blindness no tenga la frescura y la fuerza de su homólogo literario, pero lo que sí se puede asegurar es que no dejará indiferente a nadie, poniendo de nuevo en liza a un director al que seguir la pista y cuya principal carta de presentación es el riesgo asumido en cada uno de sus proyectos.

Underworld: Rise of the Lycans (2009)

2009-03-17T01:38:00.015+01:00

La franquicia Underworld vuelve con una nueva entrega cargada acción y efectos visuales, pero sin mucho más donde rascar. A falta de ideas, nada mejor que una secuela ¿no? Sin embargo, los responsables del film han querido ir de listos haciendo una precuela para cerrar la trilogía que resulta que tenían ideada desde un principio.

Excusas y explicaciones a un lado, La rebelión de los licántropos parte con la idea de dar explicación a los puntos negros aparecidos en las dos películas anteriores y dar respuesta al porque del conflicto entre vampiros y hombres lobo. Para lo cual los productores han puesto al mando de la dirección al debutante Patrick Tatopoulos.

La historia, que podría haber dado más de sí, se diluye entre secuencias de acción y otras tantas igualmente vacías de contenido. Eso sí, como buena película de acción, en Underworld no se escatima en batallas épicas ni en efectos visuales (los cuales, por momentos, cantan más de la cuenta) que mantienen en pie el film.

El eje que mueve la película es la relación amorosa que surge entre Lucian (líder de los licántropos) y Sonja (hija de Viktor, líder de los vampiros) al más puro estilo de Romeo y Julieta. Un amor imposible que desencadena los acontecimientos que marcarán la enemistad entre las dos razas.

Sin el reclamo de Kate Beckinsale, ha sido un acierto volver a contar con Bill Nighy como Viktor y con el catapultado a la fama Michael Sheen (Frost contra Nixon) en el papel de Lucian, que son verdaderamente lo mejor de la cinta. Rhona Mitra, por el contrario, está solamente por su cara bonita.

A pesar de contar con un guión bastante flojo del que poco se puede sacar y de una dirección que no pasa de lo correcto, La rebelión de los licántropos es efectista y satisfará al público menos exigente. Algo a lo que ayuda su duración (no pasa de los 92 minutos), junto a un buen ritmo que logran no aburrir al personal y obtener un producto palomitero que cumple con sus predecesoras en la saga.

Las metacríticas: VIERNES 13 (2009)

2009-03-08T15:54:00.009+01:00

El año 2009 se abierto con un sinfín de nuevas propuestas, un ejemplo de ellas son Slumdog Millonaire, El curioso caso de Benjamín Button o El Desafio Frost/Nixon, donde se han aplaudido los triunfales regresos a la pantalla de sus directores, Boyle, Fincher y Howard, respectivamente. Sin embargo, nadie hasta el momento se ha atrevido a reinvindicar el triunfal regreso de una personalidad mucho más relevante que la de ellos, a tenor con su larga trayectoria en el olimpo del cine. Estamos hablando de Jason Voorhees, uno de los asesinos más longevos de la historia del cine y testigo de un sinfín de peripecias y aventuras en las proximidades del archiconocido lago Cristal Lake.

Viernes 13 (2009) es una sorprendente revisión del clásico de terror de los ochenta, trasladado a nuestra época, dejando atrás las luces de neón de los campamentos de antaño y esos cadillacs de sulfato de amonio que adornaban los bosques de la periferia norteamericana. Con un guión duro y sincero, digno de las mejores zonas geográficas de barlovento y sotavento de todo el mundo, con una fotografía imperialista hasta lo más mínimos detalles (nunca antes habíamos visto de una forma tan realista un paisaje de abetos y narcisos) y con un montaje dinámico y encrispado capaz de dejar sin sueño al mismísimo Oliver Stone, Viernes 13 es un Tour de force hasta el mismísimo fondo de nuestras almas.

Jason usa mejores armas que el sobrevalorado Joker de Christopher Nolan

Cabe destacar que en esta historia no quedan fuera del tintero temas de actualidad, como la maternidad, el amor entre hermanos o la responsabilidad con los desvalidos (por primera vez en su historia, Jason se hace cargo de la tutela de una joven en su guarida al tiempo que comete sus fechorías “campamentales”). Estamos ante una nueva forma de concebir los “Viernes 13”, alejados de todo esperpentismo o mal gusto.

Por primera vez se asume que ser un psicótico y un deforme no exime a nadie de responsabilidades. Y es aquí dónde entramos en la naturaleza ambigua de esta nueva versión, donde el desaliento y el desazón no tienen por qué venir de un hacha o de un machete sino de la mirada cándida de una joven en busca de guerra.

El juego de espejos del que hace gala la propuesta es cuanto menos asombroso, ofrecido por el buenhacer de Marcus Nispel, autor de otro remake bastante remarcable (perdonen el juego de palabras) La matanza de Texas. Un remake que recogía la esencia de la familia de Leatherface y del propio Leatherface para ascenderlos y convertirlos en metáforas de nuestros miedos humanos. Con Viernes 13 ocurre tanto de lo mismo pero traducido a otro tipo de código metafórico y metalinguístico. Si en La Matanza de texas, Leatherface era el objeto de nuestros miedos, en el film que nos ocupa, Jason representa la figura del protectora de esos mismos miedos. Como ya nos brindó Mel Gibson con su particular versión de Cristo, Marcus Nispel recrea, a su vez, la figura distorsionada de un protector de su rebaño. Un tipo que dispuesto a sacrificar su vida por proteger lo más preciado. En el caso de Jason, su rebaño sería su malograda madre y la zona donde yace su cadáver, Cristal Lake.

Imagen del film inspirada en el famoso cuadro de Lau Viñapiñedos "La doña rota" (Le donna reun, 1723).

Cristal Lake es la excusa que utiliza Marcus Nispel para convertir a Jason (recordemos que Jason es un nombre bíblico, lo que nada es casualidad) en un héroe maldito, incomprendido, y por qué no, mongolo. Muy atrás quedan los esfuerzos de Christopher Nolan por sorprendernos con un villano original e ingenioso. Y en caso de dudas háganse la siguiente pregunta: ¿cuántas películas de viernes 13 se han hecho, y cuántas del Joker?

Si Jason lo hace es por que Jason lo vale.

The Broken (2009)

2009-03-06T01:50:00.005+01:00

Del otro lado de los Pirineos en coproducción con Gran Bretaña nos llega un thriller de terror dirigido por Sean Ellis (Cashback). El filme nos sitúa en Londres, en la piel de Gina McVey (Lena Headey), quien, una mañana camino a casa, cree ver a una mujer que es idéntica a ella; mujer a la que sigue hasta su apartamento en donde encuentra una foto de ella con su padre. A partir de ese momento, la paranoia se apodera de ella y comenzará a dudar incluso de sus seres más cercanos.

La historia que se nos plantea en The Broken no deja de ser otra vuelta de tuerca a situaciones ya vistas (como demasiadas referencias a películas como La invasión de los ladrones de Cuerpos); aunque guarda un cierto punto de interés por ver con qué se nos querrá sorprender. Una idea que debemos desechar al poco de comenzar a visionar el film, pues el desarrollo de la trama resulta ser de lo más previsible y falto de tensión.

Al igual que ocurre a nivel narrativo, de las actuaciones no hay nada destacable. Ni el gancho de Lena Headey ni el apoyarse en secundarios como Richard Jenkins mejoran el resultado, ya que las interpretaciones no pasan del aprobado raspado. Algo a lo que hay que unir que los personajes ya de por sí no pasarán a la historia por su complejidad. Para rematar la faena, hay una extraña obsesión por parte del director de redundar una y otra vez en una determinada secuencia y a mostrar planos generales de Londres a vista de pájaro que descolocan al espectador. Da la impresión de que están ahí para rellenar metraje, pues no aportan nada.

Algo reseñable habría de tener The Broken, y eso lo encontramos en su ambientación y fotografía (la cual fue premiada en Sitges), muy lograda, pero que por sí sola poco puede hacer.

En definitiva, Sean Ellis no propone un título que no se prodiga en originalidad y que presumiblemente no satisfará a la gran parte del público.

The Reader (2008)

2009-02-13T13:39:00.016+01:00

Una historia de amor de lo más sencilla (con sus dosis de ternura y de pasión) y de la que no se ofrecen demasiadas explicaciones, sirve para sumergirnos en un profundo drama autocrítico acerca de la culpabilidad, la vergüenza y la aceptación del pasado.

Stephen Daldry en la dirección y David Hare firmando el guión, adaptan la obra homónima de Bernhard Schlink que, según Los Angeles Times, es: “Una novela formalmente hermosa y perturbadora y, finalmente, moralmente devastadora.” Algo que han sabido captar y trasladar a la pantalla.

El director de Las Horas y Billy Elliot se embarca en un proyecto que habla de esa generación de hijos de la posguerra alemana, libres de toda culpa, pero con la losa sobre sus hombros del horror cometido por sus padres. Un horror que debían aprender a aceptar y seguir adelante.

The Reader nos sitúa a lo largo de tres momentos distintos en la vida de Michael (David Kross / Ralph Fiennes) que personifica, a través de su idilio con Hanna (Kate Winslet), la relación que mantuvo una generación con su Alemania natal; una relación llena de contradicciones.

Uno de los puntos de mayor interés del film es ese, que no se trata de otra película sobre el Holocausto que sirva de homenaje para las víctimas, sino que versa sobre sus consecuencias en el pueblo alemán.

Al respecto, el amorío que surge entre Hanna y Michael, tiene el valor de enfrentar a dos generaciones distintas, con lo que centrarse en la polémica suscitada por la diferencia de edad entre ambos no es más que un sin sentido que deja de lado lo realmente importante.

Y no sólo de culpa o rechazo a lo que otros hicieron se habla en la película. The Reader también se alude a la personal; de cómo el orgullo y vergüenza hacia uno mismo puede llevar a una actitud pasiva, por más que las consecuencias de no enfrentarse a ello sean desmedidas.

Si bien la relación entre los dos protagonistas hace referencia a esa situación de culpabilidad colectiva, cada uno de los personajes por separado se ha de enfrentar por sí mismo a la vergüenza y pundonor individual.

Al final, también hay que aceptar esto.

Está de sobra comprobado que Stephen Daldry sabe sacar lo mejor de sus actores, y The Reader es un nuevo ejemplo de ello. Kate Winslet está en estado de gracia e inunda la pantalla con un personaje que desborda matices. Tal es la presencia que impone con su personaje que ensombrece la buena labor del resto del reparto.

El contrapeso de Kate en la cinta lo ponen David Kross y Ralph Fiennes (dando vida a Michael en diferentes etapas de su vida). Fiennes no lo hace mal, pero al lado de una Winslet pletórica, da mucho el cante. Kross por su parte resuelve perfectamente el problema del idioma (es su primera película en inglés) y resulta bastante creíble.

Daldry se ha convertido en un director que apunta a cosechar galardones con cada nuevo film. Podrá o no gustar esa intención y objetivo de ganarse a la crítica, pero lo cierto es que convence con sus propuestas que es lo que importa; y The Reader no iba a ser menos.

Revolutionary Road (2008)

2009-02-06T16:34:00.008+01:00

Descarnada y sin adornos sentimentales. Sam Mendes da una bofetada en la cara a una sociedad acomodada, envidiosa y, sobre todo, reprimida. A pesar de ser la adaptación de una novela aparecida en 1961, la crítica y el trasfondo de Revolutionary Road podemos trasladarlo y sentirlo perfectamente en cada uno de nosotros.

En muchos aspectos este film puede recordar a American Beauty, más en el fondo que en la forma: pues si bien ésta era presentada en clave de mordaz comedia, Revolutionary Road lo hace como un drama sin miramientos. Ambas, desde sus distintas visiones, hablan del gran cuento que hay montado en torno al sueño americano.

Revolutionary Road nos lleva a un apacible barrio residencial, ideario de la sociedad americana, al hogar de una joven pareja con dos niños, en apariencia y a ojos de los demás: especial.

Pero como todo en la vida, las apariencias no son más que eso, apariencias. Porque una vez puertas para dentro, Sam Mendes desgarra con maestría la fachada de sus personajes y nos brinda un sobrecogedor calco de la realidad.

Sin embargo, para lograr que el mensaje impacte a la audiencia, no basta sólo con una buena dirección y un buen guión. Esto parecieron verlo claro los responsables del film, que no pudieron encontrar una pareja con más química en pantalla: Kate Winslet y Leonardo DiCaprio.

Poco se puede decir de ellos, están inmensos. DiCaprio se hace adulto en su primer papel como padre de familia y Winslet es, simplemente, fascinante. Sus interpretaciones atrapan de tal forma, que durante las 2 horas que tiene la película, dejan de ser actores para convertirse en los vecinos de cualquiera de nosotros. Unos vecinos con sus miedos, reproches y sueños rotos.

Acompañando a la pareja protagonista hay un actor que destaca sobremanera sobre el resto de secundarios: Michael Shannon. Su personaje aporta el punto de lucidez y de verdad que logra remorder muchas conciencias. Toda la esencia de la cinta podría condensarse en él.

Sam Mendes nos trae una historia cualquiera acerca de unas personas anónimas; mientras, Kate Winslet y Leonardo DiCaprio, nos identifican con ellos. Revolutionary Road es, ante todo, un espejo de nuestras vidas.

The Spirit (2008)

2008-12-25T22:35:00.010+01:00

Frank Miller adapta para el cine y hace suya la obra más emblemática de Will Eisner, The Spirit, el cual revolucionó y rompió todos los moldes del cómic. Y con esa misma intención, Miller se atreve a adaptar a su mentor.

Con esta primera aventura en solitario como director, Frank Miller ha conseguido que al contemplar The Spirit estemos visionando un cómic y no una película. Ha pintado los fotogramas como si fueran viñetas, trasladando verdaderamente el papel a la pantalla.

Al mismo tiempo, Miller, ha reinterpretado la historia de Eisner a su manera, haciendo que ésta, sin perder un ápice de su personalidad, se nutra del personal estilo del de Maryland.

Dejando de lado el buen hacer del director a nivel técnico, nos encontramos con un film entretenido pero con una trama sin chispa ni enganche. La historia que se nos presenta es de lo más convencional, con unas pizcas de novela negra y de humor satírico y casi paródico hasta la saciedad.

En los poco más de 100 minutos que dura The Spirit, algunos gags y situaciones parecen demasiado estirados, con una narración y unos personajes muy planos, a pesar de esa voz en off del protagonista que aparece de vez en cuando intentando darle una mayor profundidad y complejidad a su lucha.

Otra de las cosas que se le pueden achacar a The Spirit es su gran cantidad de similitudes con Sin City y 300, ya no sólo a nivel estético, sino en ese aroma épico y honorable de sus protagonistas. Bien es cierto que este punto no tiene porque ser negativo, pues para bien o para mal Miller tiene un estilo muy definido.

Ante tanta pega es de agradecer el reparto con el que cuenta la película: Samuel L. Jackson, Jamie King, Scarlett Johansson, Sarah Paulson…

Para dar vida a Spirit los productores confiaron en un semi-desconocido Gabriel Macht, a quien se ha podido ver en cintas como El buen pastor o La prueba. El objetivo de evitar que la gente pensara en el actor en lugar de en el personaje está conseguido, pues se sale del film habiendo olvidado por completo quien era el actor. A tal punto llega la falta de carisma del protagonista por muy locas que vuelva a las féminas de la película.

Para secundar a nuestro héroe nada mejor que un grupo de jóvenes bellezas con papeles secundarios (Jamie King y Sarah Paulson), parte importante dentro de la trama (Eva Mendes) o prescindibles (Paz Vega).

La española Paz Vega tiene una aparición realmente breve, que sólo da cabida a que luzca un vestuario muy ligero y a que muestre que el francés no es lo suyo.

El antagonista de Spirit, Octopus lo interpreta un Samuel L. Jackson en tono de parodia y gracia excéntrica acompañado por la exuberante Scarlett Johansson. Son, sin duda, lo mejor de la película.

Quien vaya buscando en The Spirit una nueva Ciudad del pecado o una peli de superhéroes, está equivocado. Si por el contrario se busca un poco de cine negro y humor sin hacer mucho esfuerzo en comprender la historia, saldrá convencido de la película.

Comme les autres (2008)

2008-12-17T22:01:00.009+01:00

En tono de comedia, el director Vincent Garenq nos invita a conocer y comprender nuevas realidades sociales huyendo del morbo y los tópicos, a través de una historia que muestra las dos caras de la moneda y de unas interpretaciones convincentes.

Como los demás aborda los temas de las relaciones de pareja, la homosexualidad, la adopción por parte de padres del mismo sexo y las madres de alquiler (entre otros) de una forma muy natural y realista; queriéndose mostrar imparcial al dar voz a todas las posturas referidas a estos asuntos.

Por un lado tenemos a Manu (Lambert Wilson) que quiere ser padre aún siendo homosexual y a Fina (Pilar López de Ayala) que se presta a ayudarle. Por el otro, sin embargo, nos encontramos con Isa (Florence Darle) y Philippe (Pascal Elbé), más conservadores en sus ideas y contrarios a la postura de Manu. Para completar el abanico está Cathy (Anne Brochet), amiga de la pareja formada por Manu y Philippe, que se presta a ayudarles pero con reservas.

A lo largo de todo el film se plantea la pregunta de si es bueno o no criar a un niño sin la figura materna presente, pero al tiempo se da un voto de favor al amor y cariño que una persona puede darle a un hijo, independientemente de su situación y tendencia sexual.

Estas arduas y polémicas cuestiones que bien podrían dar lugar a un denso drama sobre los valores humanos, ofrecen a Vincent Garenq el hilo conductor perfecto para elaborar una comedia cercana y repleta de enredos y situaciones graciosas al más puro estilo francés.

Como los demás es un film ameno, con un guión fácilmente digerible y de un tono muy familiar, aunque presenta algunos momentos demasiado caricaturescos, que más que poner una nota cómica, sacan completamente de contexto al espectador (especialmente la parte en la que entran en escena los padres de Fina).

Asimismo, la conclusión del film, a pesar de quedar abierta a que trabaje la imaginación del público, da la impresión de extenderse demasiado; intenta concluir pero no termina de dar el último acelerón. Esto da cabida a algún que otro epílogo que sigue esa tónica cómica que en el fondo no tiene ninguna gracia.

En cuanto a las interpretaciones – dejando de lado a los personajes de los padres de Fina, de los que uno todavía se pregunta de donde han sacado ese acento argentino – no caben más que palabras de elogio.

Lambert Wilson (visto en “joyas” como Matrix Revolutions o Sahara) borda su papel de homosexual, no queda nada forzado en su manera de actuar y comportarse. Pascal Elbé, en cambio, resulta menos expresivo, más acorde también es cierto a la forma de ser de su personaje. Ambos interpretan a una pareja que perfectamente podríamos encontrarnos en cualquier parte.

Completando el trío tenemos a Pilar López de Ayala, que salva con soltura el handicap del idioma y conmueve con su papel de chica extranjera en un lugar que le es extraño, que se convierte en madre de alquiler y se enamora de la persona inadecuada.

Además, no se puede olvidar a Anne Brochet, que no se muerde la lengua y arrolla con algunos diálogos estupendos. A pesar de lo conciso de su aparición, se deja notar.

Como los demás nos presenta a unos personajes que nos resultan tan cotidianos gracias a su multitud de matices. El que se vean envueltos en asuntos tan comprometidos a través de una comedia, es lo que le evita a su director caer en torpezas sociales y pueda plantear todas las preguntas y posturas en cuanto a la homoparentalidad.

Estrenos: Como los demás

2008-12-13T16:33:00.010+01:00

Los cines Golem de Madrid han sido los escogidos para presentar en nuestro país “Como los demás”, film del francés Vincent Garenq y que cuenta con la presencia de Lambert Wilson (Un plan brillante, Matrix) y la española Pilar López de Ayala (Obaba, Sólo quiero caminar).

Para la presentación en Madrid acudieron el director, Vicent Garenq, y los actores Pilar López de Ayala y Pascal Elbé (El Raid, Mes amis, mes amours); y tras el photocall de rigor realizado en el hall de los cines, comenzó la rueda de prensa en la que periodistas y el equipo de la película intercambiaron opiniones.

Las primeras preguntas, como era obvio, fueron para Pilar que catalogó de experiencia muy positiva y de un sueño el poder rodar en Francia. Como los demás es la segunda película que rueda en el país galo, aunque la primera completamente francesa. Asimismo, la actriz habló de cómo consiguió el personaje, gracias a la mediación de Xavier Lafitte (En la ciudad de Sylvia), quien le comentó que buscaban a alguien para el papel y se decidió a mandar material para el casting.

Sobre su experiencia en Francia dijo salir muy contenta, dentro del cine europeo el francés es el más interesante, y querría volver a trabajar allí; aunque de momento no tiene ningún proyecto concreto.

Además, como curiosidad, habló de cómo se preparó el papel. Al no saber francés hubo de trabajar con un coach para aprenderse todas las líneas fonéticamente.

Ya entrando en lo que es la película en sí, sorprendió que Vincent Garenq tardara dos años en acabar el guión. Según sus palabras, estuvo mucho tiempo con la idea de hacer una cinta sobre una pareja homosexual, pero le faltaba un eje; el cual apareció en un momento dado en forma de madre de alquiler.

Lo demás fue cuestión de equilibrar a los tres personajes y que el otro papel femenino (Anne Brochet) ni tuviera una excesiva carga ni quitara protagonismo a Pilar.

Poco a poco las preguntas se iban volviendo más comprometidas en referencia a los temas tratados en el film. Sobre las madres de alquiler, por ejemplo, Vincent no se mostró muy partidario de la idea por considerarla muy fuerte y tremenda, pero al ser algo que se da día a día, lo hizo.

Bien es cierto que al profundizar en el tema descubrió historias muy tiernas y conmovedoras; ejemplificando a su vez el lado tremendo en India, donde muchas mujeres intentan salir de la pobreza de esta manera.

Por otro lado, argumentó el dejar un final abierto en la película porque le parecía más cinematográfico, a pesar de haber rodado otra conclusión (la cual adelantó que se podrá ver en el dvd)

El hecho de haber estado, por casualidad, siempre rodeado de homosexuales ayudó mucho al director. De hecho, un amigo suyo le hablaba de su deseo de tener hijos, lo que como guionista le dio un buen tema sobre el que no se había hablado antes en el cine. Tanto es así, que el personaje de Lambert Wilson, se llama Manu en referencia a ese amigo.

Pascal Elbé, quien hasta ese momento se había limitado a hacer algún comentario aislado, tomó protagonismo en el tramo final de la rueda hablando de la acogida del film por parte del público homosexual.

Un acogida, según sus palabras, que por lo general ha sido buena, aunque algunos grupos que se han quejado aduciendo que se habían quedado cortos en la película y deberían de haber mostrado escenas de una relación entre los dos hombres. Al respecto, Elbé comentó que era algo que no veía necesario, que haría más mal que bien a la película tirar por ahí.

En cuanto a los colectivos más conservadores, al ser las relaciones homosexuales un tema aceptado por la sociedad, no han podido hacer críticas directas al film, por lo que han optado por catalogarlo de malo.

Para el actor francés, lo bueno de Como los demás es el hecho de mostrar que una persona, no por ser gay, ha de estar de acuerdo con la idea de que se deba criar un hijo con alguien de su mismo sexo.

Entrando en el ámbito más personal, el trabajar en el film le ha ayudado a evolucionar frente a la homoparentalidad, al igual que le ocurre a su personaje a lo largo de la trama. La película permite entender como podría ser una relación así. Considera que es “demencial” que haya tantos huérfanos en Francia y que estas parejas no tengan los mismos derechos para adoptar.

Y de esta forma, hablando un poco más sobre el asunto de las adopciones en Francia, se dio por concluida una rueda de casi una hora de duración y en la que hubo cabida para hablar de casi todo.

Appaloosa (2008)

2008-12-07T12:36:00.005+01:00

Appaloosa nos brinda un relato sobre la lealtad y la amistad; una historia con aromas clásicos y con el toque universal que ofrece el western de la visión de un mundo que ha llegado a su fin y está alumbrando una nueva era.

Ed Harris se embarca con Appaloosa en su segundo proyecto como director tras Pollock (2000). Basada en una novela de Robert B. Parker, Appaloosa nos habla de temas como el honor, la traición o la amistad cuando el entorno que los rodea está en un proceso de cambio del que no hay vuelta atrás.

Junto a Robert Knott, Harris firma un guión que ha querido respetar lo máximo posible las intenciones del libro y trasladárselas al espectador, pues tratan temas que siguen siendo igual de importantes en la actualidad.

Lo que a priori parece ser un guión sencillo, se nutre de unos diálogos brillantes y un trasfondo humano muy enriquecedor apoyados en unas interpretaciones llenas de matices. En esto tiene gran mérito el director, gracias a su faceta de intérprete que le permite meterse en la piel de sus actores y sacar el máximo partido de ellos.

Aquí, tanto Ed Harris como Viggo Mortensen han sabido darle a la tecla correcta y firman unos papeles formidables, de esos que dan un nombre, aunque no les haga demasiada falta. Por su parte, Jeremy Irons está correcto, pero queda claro que sus mejores días han quedado atrás.

En cuanto a la representación femenina, la de Ariadna Gil no es más que testimonial y Renée Zellweger es también solvente, pero da la impresión de que sigue tirando del crédito que le dio el Oscar y como tantas veces ocurre, está muy sobrevalorada.

Para Appaloosa, Ed Harris contó con la fotografía de Dean Semler (Bailando con lobos o Apocalypto entre otras) intentando seguir la herencia del clásico western con grandes planos y paisajes, así como una ambientación muy cuidada.

El film no tiene grandes pretensiones, no busca ser un western convencional, pero tampoco intenta huir de los clichés. Sin embargo, a pesar de ser deudora de directores como John Ford, Appaloosa es un western más sentido y atípico y con situaciones envolventes plagadas de tensión.

Estrenos: Appaloosa

2008-12-02T00:25:00.009+01:00

Con motivo del estreno de Appaloosa (segundo film tras las cámaras de Ed Harris), Viggo Mortensen y Ariadna Gil estuvieron en Madrid dando una rueda a la que acudió el equipo de Freak Show y unas cuantas fans del actor (grupis para que nos entendamos).

Tras el photocall de rigor donde los dos actores parecían encontrarse en el paredón siendo acribillados por los flashes de los fotógrafos, llegó el tiempo de las preguntas y explicaciones.

La voz cantante la llevó Viggo quien no dudo en elogiar la labor de Harris en la dirección. Según el actor, el hecho de que Ed Harris sea también actor le hace ser mejor director, pues transmite seguridad, le gusta estar muy cerca de los intérpretes y no para hasta que considera que la toma está bien.

Al respecto Ariadna Gil también tuvo unas palabras, no sin antes declarar su sorpresa y orgullo al recibir la llamada para participar en un film rodeada de gente de tanto nivel. Ariadna dijo sentirse muy cómoda durante el rodaje (a pesar de lo escueto de su papel), pues el director siempre estaba pendiente de ella y le transmitía mucha seguridad a la hora de trabajar.

La rueda transcurrió de forma amena y entre pregunta y pregunta absurda o sin venir a cuento se percibía el buen feeling de los dos actores (ya habían coincidido en Alatriste).

Mortensen hizo mucho hincapié en el hecho de que no haría un western sólo por hacerlo, sino sólo si contaba una buena historia. Como es el caso de Appaloosa. Para él, el western ambientado en los últimos decenios del XIX representa algo universal, que siempre está presente: el fin de una forma de vivir, de una concepción del mundo al cerrarse las fronteras. Es el fin de una época.

En esta línea dice moverse el film, pues plantea el que pasaría en un mundo cuando hay un obstáculo que lo cambia todo.

Asimismo ambos intérpretes se refirieron al interés de Harris de seguir la herencia del clásico western, dando importancia a los paisajes abiertos, la gente, la ambientación… poniendo como ejemplo las películas de John Ford. Appaloosa sigue una tendencia más clásica pero sin buscar ser el típico western y eludiendo los clichés, sino que buscaba algo más.

De ahí la importancia, por ejemplo de los papeles femeninos (a los que se refirió la actriz española), los cuales se comportan como se comportan en la película porque no les queda más remedio, y no siguen las normas impuestas de la época.

Contraponiendo Appaloosa con otros western actuales surgieron los títulos de El tren de las 3:10 y El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford. La primera con un ritmo más trepidante y exceso de planos cortos (siguiendo una estética más actual), y la segunda siguiendo una tendencia más artística.

Dejando de lado la película y a sus personajes, ambos hablaron de sus futuros proyectos.

Mortensen declaró su interés por volver a trabajar en España, en especial con Díaz Yanez de quien guarda gran recuerdo y recomienda su última cinta, Sólo quiero caminar. También tuvo palabras de satisfacción por sus próximos estrenos Good y La Carretera.

Ariadna Gil por el contrario, no tiene ningún estreno próximo, pero si que hay proyectos interesantes que le están llegando. Sin embargo no quiso adelantar acontecimientos.

Tras hablar un poco más sobre las diferencias entre el trabajo frenético de Hollywood y el de nuestro cine se dio por concluida la ronda de preguntas para que las “grupis” mencionadas anteriormente se abalanzaran para conseguir sus preciados autógrafos y fotos.

Body of Lies (2008)

2008-11-22T18:57:00.008+01:00

Ridley Scott nos traslada, con Red de mentiras, a Oriente Medio para seguir los pasos de un agente de la CIA (DiCaprio) en sus intentos por frenar a una célula terrorista que está provocando una oleada de atentados por todo occidente. La trama en sí no es nada original; es el típico trhiller de acción que no aporta nada nuevo al género, pero Ridley Scott sabe como hacer que el público termine con una sensación de satisfacción tras ver el film con un montaje intenso.

Red de mentiras nos narra una historia en la estela del cine hollywoodiense actual, más crítico con su Administración pero con la creencia de que las cosas pueden mejorar. Con estas premisas uno ya se puede imaginar que el film cojea de una cierta previsibilidad y algún cliché que otro.

No todo es política o espionaje en la cinta de Ridley Scott, también hay lugar para el amor. De dar este contrapunto tierno y emocional a la película se encarga la iraní Golshifteh Farahani, que encarna a una joven enfermera de la que se enamora DiCaprio.

Las intenciones son buenas, pero de estas no se puede vivir y el romance entre los dos personajes es de lo más insustancial y prescindible del film.

Para contrarrestar un guión efectivo pero escaso de ideas novedosas, el director recurre a dos pesos pesados: Leonardo DiCaprio y el ya habitual Russell Crowe. Si bien sus interpretaciones convencen como siempre; sus personajes no dan para más, no tienen chispa ninguna. Mientras que el primero huele demasiado al Billy Costigan de Infiltrados, el segundo también abusa de tópicos.

Por un lado tenemos a Roger Ferris, el agente con gran futuro en la agencia, con un fuerte carácter y un tipo íntegro y honorable. Por otro nos vemos con Ed Hoffman, el jefazo inmoral y sin escrúpulos sólo interesado por sí mismo. ¿Muy original no?

Cambiando de tercio, a nivel técnico, Red de mentiras no tiene nada que se le pueda reprochar. Su estética y algunas secuencias propias de un videoclip podrían hacerla pasar por una película de Tony Scott, pero sin que ello deba tomarse como algo negativo.

El gran punto a favor del film de Ridley Scott está en lo cuidado de su producción, fotografía, montaje, etc. Su fuerte ritmo en las escenas de acción hace que el espectador no pueda moverse de su asiento. En este sentido, la película es puro entretenimiento.

Queda bastante claro que Red de mentiras no es ni de lejos lo mejor de Ridley Scott, pero si es de lo más efectivo. El film hace disfrutar y pasar un rato de cine… y en el fondo, ¿no es eso lo que uno busca en una película?

Transsiberian (2008)

2008-10-28T21:38:00.004+01:00

Para hacer frente a las producciones de Hollywood, los europeos suelen apostar por las coproducciones internacionales para así poder traerse a actores de renombre y algún director interesante; aunque no siempre el resultado es el esperado. En esta tesitura se encuentra Transsiberian, que recurre a Brad Anderson y a un reparto encabezado por Woody Harrelson y Ben Kingsley.

Anderson se embarca así en su segundo proyecto en tierras europeas tras El Maquinista (2004). Pero en esta ocasión se va de viaje en el famoso Transiberiano en aras de lograr un film que guarde un cierto espíritu clásico y recuerde a directores como Hitchcock.

A través de casi dos horas de película, Transsiberian consigue transmitir las sensaciones que se producen en el viaje y muestra con buen acierto, la belleza de sus paisajes a lo largo de toda la geografía rusa.

La cinta tiene un comienzo esperanzador, pero se pierde pronto en su larga travesía. Parece no tener claro lo que quiere ser y termina no siendo nada.

Transsiberian peca de una cierta previsibilidad y de un afán de querer irse por las ramas porque sí. Además, usa ciertos recursos (como el flash-back) sin venir a cuento y que solo sirven de relleno, pues a esas alturas el público está más que enterado de lo que está sucediendo.

No todo va a ser negativo, pues la idea original era buena y Brad Anderson ha demostrado en varias ocasiones ser un excelente director. Así, el grado de suspense y tensión de algunas escenas levanta el ánimo del público y lo sumerge (aunque sólo sea por poco tiempo) en medio de la historia.

Hablando de todo un poco llegamos al trabajo interpretativo, el cual es, sin duda, lo mejor de la cinta. En este apartado quien se lleva la palma es Woody Harrelson (realmente uno llega a pensar que es un cretino). Su personaje es el que tiene la función de contrarrestar la tensión del film para evitar que los espectadores se saturen.

A Ben Kingley, por su parte, ya no le hace falta probar nada acerca del nivel de su trabajo. El papel de policía ruso da la impresión de que le viene como anillo al dedo.

Las dos estrellas americanas están bien escudadas, sobre todo, por los personajes femeninos: Emily Mortimer y Kate Mara. La primera (a quien vimos por ejemplo en Match Point) es sobre quien recae gran parte del peso de la película, mientras que Kate Mara, se limita a ser una simple secundaria sin demasiada trascendencia en el devenir del film.

Una mención se merece el personaje de Carlos Ximénez (Eduardo Noriega), quien aporta el punto español en esta producción internacional. Sobre su actuación sólo decir que hace lo suyo. Eso sí, hay que darle un voto de confianza en la versión doblada, ya que (al menos en lo que respecta a su personaje) deja bastante que desear.

JCVD (2008)

2008-10-24T12:10:00.005+02:00

Imaginemos a un Van Damme en el ocaso de su carrera y afligido debido al juicio por la custodia de su hija. Entonces decide volver a Bélgica para reencontrarse a sí mismo y se ve envuelto en el robo de un banco. Con esta sugerente premisa se presenta el nuevo film de Jean-Claude Van Damme, JCVD.

A algunos les vendrán a la mente títulos como Takeshis’, pero comparaciones aparte, y siguiendo un tono de tragicomedia, JCVD tiene momentos realmente buenos que nos descubren una interesante obra que va más allá de lo que a simple vista pudiera parecer.

De un lado se nos presenta un thriller con policías, robos y demás; y de otro, una mirada introspectiva del mundo del cine a sí mismo. A priori no hay por donde coger algo así, sin embargo, el resultado final, a la par que sorprendente, es más que reseñable.

Además, la propuesta se adereza con algunos toques de comedia y situaciones que, a pesar de despertar algunas risas, son tan cotidianas que hacen que más de uno se mire a sí mismo.

A modo de falso biopic y reflexionando sobre la fama y su precio, Van Damme hace su interpretación más sincera y humana. En JCVD deja de lado las artes marciales para analizar e ironizar sobre su propia vida. Quien fuera protagonista de hitos del cine como Double Team o Van Damme’s Inferno, parece haber resurgido y ha encontrado su vena interpretativa.

Después de algunos intentos con películas salidas directamente al mercado DVD, su retorno a la gran pantalla da la sensación de haberle salido bien. En el presente film somos testigos de la mejor interpretación de actor belga hasta la fecha.

La cinta del semidesconocido por estos lares, Mabrouk El Mechri, convence desde un primer momento. Alejada de grandes pretensiones consigue conectar pronto con el público, pues estamos siendo testigos de la caída de una estrella que retorna a la cruda realidad.

Esta conexión con el espectador también se logra gracias las escenas en las que un emocionado Van Damme interpela al público para confesarse.

Siguiendo un montaje atractivo y ágil (pero sin caer del todo en la estética de un videoclip), además de usar saltos temporales hacia atrás y adelante para enlazar toda la trama, el director francés logra seducir con una película fresca y sin complejos.

JCVD es una entretenida y sorprendente propuesta (debido sobre todo a su protagonista más que al tema abordado) pero que, como no podía ser de otra forma, al final se deja llevar por las buenas intenciones y los mensajes moralizantes típicos de Hollywood.

Las metacríticas: VIERNES 13 PARTE 7

2008-10-22T17:38:00.013+02:00

El Caballero Oscuro de Christopher Nolan no ha sido la única película que ha conseguido elevar a categoría de obra maestra a una saga desvalorizada y denostada por críticos de todo el mundo. Así ocurre la séptima parte de Viernes 13, en la que su director John Carl Buechler, una prima donna del maquillaje y los efectos especiales, dota de elegancia, energía y de buen hacer a esta séptima entrega, infravalorada injustamente por el público.

No pretendemos hacer aquí comparaciones, pero si en El Caballero Oscuro del sobremitificado Nolan (pues todos sabemos que gran parte del éxito de la película es gracias al montaje y no a su astucia mediata) consigue alejar a la figura de Batman del cómic, de las cabriolas y de esas pantomimas en pro del realismo y de las tramas realistas y políticas, en Viernes 13 parte 7 ocurre todo lo contrario. John Carl Buechler abandona el hiperrrealismo rural que caracterizaba a las anteriores entregas y se las ingenia para introducir al asesino Jason en el universo del cómic enfrentándolo contra un némesis inesperado. Tina, una chica con poderes telepáticos y capaz de mover las cosas con la mente. Algo así como la respuesta de los ochenta a la Carrie que conocimos de la mano de Brian de Palma, pero ahora modernizada y rubia para la ocasión.

"Si creíais que el maquillaje churretoso del joker era bueno, mirad esto.
La polla, ¿eh? Sobran las palabras"

“El traje de Batman en el caballero oscuro era un poco mierda. Mirad, en cambio, el de Tina... Sutil pero contundente. elegante pero versátil Tina, toda una tía".

Son muchas las virtudes que demuestra este viernes 13. Desde ese prólogo arrebatador en que asistimos al origen de los poderes de Tina que tras provocar (sin querer) la muerte de su borracho padre asumirá el destino del héroe (ya sabéis frases como:"todo poder conlleva a una gran responsabilidad" o "mueres como un héroe o vives lo suficiente para haberte convertido en el villano"), la inclusión de todo un reparto a las alturas de las circunstancias (quien puede olvidarse de Jimmy, ese personaje fan de star treck) hasta el enfrentamiento final con Jason. Enfrentamiento repleto de dobles lecturas, en el que Jason ya no es solo un vulgar asesino sino que consigue elevarse a la poética metalingüística al representar el sentimiento de culpabilidad de Tina por la muerte de su padre. Porque no nos engañemos, aquí el Jason, al igual que hizo Nolan con su Joker, no se limita a representar la villanía. Este Jason es la culpa, el remordimiento y la debilidad humana en pura forma oxidiana. Es el ojo del huracan que nos mira y nos señala a todos por el patetismo que representamos. Todo puede resumirse en una parafrasis: "Instaura una pequeña anarquía, altera el orden establecido y comenzará a reinar el caos". Jason es un agente del caos, y lo que tiene el caos es que es justo.

Estamos ante el primer Jason justo de la historia.

Todo esto deriva en una conjunción de emociones en el tramo final, en el que el escenario, el consabido lago, sirve de metáfora para la dialéctica entre Tina y Jason. Su enfrentamiento no sólo tiene cabida en la realidad objetiva sino que al ser reflejado por las aguas pantanosas de Cristal Lake tiene repercusión en el otro lado del espectro, creando así un espejismo distorsionador con tintes oníricos.

Cabe destacar la asombrosa intervención de Jason en esta secuela interpretado por un espléndido Kane Hodder. Muchos pensaban que la elección del actor para interpretar a Jason no era la acertada. Algo similar a lo que ya le ocurrió a Michael Keaton en el primer Batman en la que una legión de fans sin agallas proclamaron que fuera sustituido de inmediato. Sin embargo, el trabajo de Hodder en este secuela no deja lugar a dudas: es sencillamente brillante. Hodder se las arregla para confeccionarnos a un Jason más elegante y refinado. Por vez primera percibimos que sus actos esconden un subtexto, una sobrecarga de dramaturgia cinéfila, una miga de psicología. Un Jason que no se limita a ser una serie de concatenaciones perversas de maldad. Al terminar de ver este filme a uno le dan ganas de conocer un poco más a este Jason y no deja de preguntarse, ¿dónde había estado este personaje en las anteriores secuelas?

En definitiva, una peli de terror digna de los mejores relatos de Adrian Mellón o de Alonso Curvelo, que no dejará indiferentes a aquellos que quieran ver algo más que una peli de lagos y de máscaras con agujeros.

Tropic Thunder (2008)

2008-10-18T15:05:00.005+02:00

Todos tenemos que reconocer nuestras debilidades, y entre las de un servidor están las comedias de Ben Stiller. Siempre se les encuentra algo con lo que te arrancan una carcajada, y en este sentido, Tropic Thunder no es una excepción.

Con esta nueva incursión en la faceta de director, Ben Stiller sigue la senda de la sátira y la crítica, como bien hiciera en su día con Zoolander y el mundo de la moda. En esta ocasión su incisiva mirada está dirigida hacia el celuloide.

Tropic Thunder cuenta, en tono de parodia, los intentos de un director por hacer la mayor película bélica de la historia junto a unas estrellas vanidosas y petulantes y un mezquino productor.

Con referencias a filmes como Platoon o Apocalypse Now (incluso al documental sobre el rodaje de la misma: Hearts of Darkness), la cinta de Ben Stiller hace una burla del cine bélico. Más aún, su sátira va dirigida a toda la industria sin dejar títere con cabeza. Lo vemos en los trailers que sirven de presentación a los actores (son de lo más desternillante del film), la gala de los oscars o en las cláusulas del contrato de Tugg Speedman (Stiller), entre otras cosas.

La parodia más visible en este sentido es, sin duda, la referida a Hearts or Darkness. Tanto es así, que hasta han distribuido un “documental” titulado Rain of Madness, en donde se narran las dificultades de la filmación de Tropic Thunder.

Para llevar a cabo este proyecto, Stiller se ha acompañado de gente como Nick Nolte, Jack Black o Robert Downey Jr. Aunque como siempre hay algunos que despuntan más que otros, y en esta ocasión hay uno que lo hace sin ningún género de discusiones: Robert Downey Jr. Ya el simple hecho de verle caracterizado como un actor negro es suficiente motivo para ver el film.

Su personaje es el más divertido, y como todo en la película, tiene una gran carga irónica. Algo que tienen en común resto de personajes, pero que no vamos a desgranar aquí.

Otras interpretaciones a destacar son las de Nick Nolte y la de un desconocido e impresionante Tom Cruise. Así como numerosos cameos de reconocidos actores. Las risas están garantizadas.

La dificultad que se encuentra la cinta es su escasez de gags y chistes, lo que hace que mientras haya fases muy cómicas y cargadas de picardía (las insinuaciones a Jack el simple, por ejemplo); hay otras (sobre todo a partir de la mitad del film) que se diluyen en escenas intrascendentes y que parecen más de relleno para justificar la inversión realizada en la película.

Este vaivén en el ritmo del film actúa en contra del mismo, puesto que después de pasar por una secuencia de esas, pobres en interés, cuesta volver a arrancar y meterse en la acción. Además, esto hace perder parte del sentido crítico y malicioso de la cinta.

Camino (2008)

2008-10-16T12:10:00.006+02:00

Con una historia sobre el amor, que antes de su estreno ya ha levantado ampollas, Javier Fesser intenta desvincularse de lo hecho anteriormente pero sin perder su esencia.

Camino es, ante todo, un relato acerca del amor. La historia de una niña (Nerea Camacho) que se enamora, y que a pesar de las fatalidades a las que se enfrenta, no pierde la esperanza e inocencia propias de su edad.

Este amor que siente la niña es interpretado a los ojos de su entorno más próximo (a causa de diversas situaciones que se dan), como un amor a Jesucristo.

A lo largo de la cinta asistimos a una gran declaración de amor; amores distintos según quien sea el destinador, pero un amor puro al fin y al cabo: el que profesa la orden del Opus Dei y la madre a dios, el enamoramiento infantil de los niños, el de unos padres hacia su hija, el de una hermana que se encuentra perdida y confusa…

El otro gran tema que se aborda en el film (y el que ha suscitado más polémicas) es el de la fe y la religiosidad. En cierto modo, también vinculado al tema anterior.

A pesar de todos los ataques que pueda recibir por anticlerical o por denostar la fe católica, toda la película está envuelta – paradójicamente – en un cierto halo de religiosidad.

El film parece inspirarse libremente en la vida de Alexia González Barros (una niña de 14 años fallecida en 1985 por una enfermedad terminal en honor de santidad, que actualmente se encuentra en proceso de beatificación). Tanto o más cuando estos datos se nos dan antes de los créditos finales y cuando la familia de dicha niña ha mostrado su malestar hacia la forma de tratarse algunas escenas.

Sin embargo, según palabras del propio Fesser, el caso de Camino no hace referencia a ningún hecho concreto, sino a numerosas historias anónimas.

Aspecto este, que puede causar más de una confusión entre los espectadores.

La declaración de intenciones de Javier Fesser acerca de querer mostrar una realidad, dejando espacio para que sus defensores se expliquen libremente y que podamos llegar a comprenderlos; se queda en agua de borrajas. Algo inevitable por otra parte, teniendo en cuenta que el director ha manifestado en varias ocasiones tener un posicionamiento totalmente en las antípodas de lo defendido por obras como el Opus Dei.

Esta completa falta de abstracción y objetividad se percibe en el hecho de que todos los personajes que defienden abiertamente las tesis del Opus causan un rechazo tal, que a muy pocos les afectaría que viniera alguien y se los cargara a todos.

Además, los protagonistas que, o resultan más ambiguos o no comparten esta forma de pensar, son vistos como las víctimas de la hipócrita y egoísta iglesia.

Ya no sólo eso, sino que, como ejemplo ilustrativo, en las escenas en que la madre de Camino (Carmen Elías) le habla a la niña de su ángel custodio antes de dormirse, la reacción de Camino no es de seguridad. Todo lo contrario; es sugestionada de tal forma, que cuando duerme, sus sueños se transforman en pesadillas en las que huye de dicho ángel “protector”.

En el film se dan muchas metáforas y paralelismos como con el cuento de la Cenicienta que ayudan, sobre todo, a comprender la visión de Camino acerca de todo lo que le está sucediendo y, al mismo tiempo, cumplen la función de rebajar la carga emocional de la película.

Esta sobredosis de emociones hace que surjan comparaciones entre Camino con filmes como Mar Adentro. El problema surge cuando el director se pone dubitativo a la hora de saber si ha conseguido emocionar al público o no. Estira y estira hasta llegar a la extenuación, convirtiendo por momentos a Camino, en un producto sensiblero de sobremesa que busca la lágrima fácil y no engaña a nadie.

Lo que ha de reconocerle a Javier Fesser es su ojo para elegir al reparto. Las interpretaciones de todo el plantel: desde La jovencísima Nerea Camacho a Manuela Vellés o Mariano Venancio entre otros, son de lo mejor que uno se puede encontrar.

A modo de refrito de conclusión, se puede afirmar que Camino consigue ser una preciosa narración acerca de lo que es el amor y una valiente y dura crítica hacia el Opus Dei. Una crítica que les ha proporcionado un fuerte empuje mediático y que hará que nadie quede indiferente al verla.

La losa que arrastra, por contra, es su desesperado intento por emocionar en la mayor medida posible, lo que puede hacer de sus dos horas y veinte minutos, algo laborioso y cansado.